LIBàRTE

2008-12-06T14:31:00.003+01:00

Caro blog,

che per me sei nato e che m'hai fatto compagnia. che a te ho dedicato un pensiero al giorno e che t'ho visto agonizzare in quest'ultimo periodo. Che m'hai spinto a conoscere e invitato a uscire, che m'hai fatto dire la mia e che m'hai insegnato la discrezione. Che c'è stato e questo è l'importante e che non ti scorderò.

Caro blog, ti lascio qui, ancora a disposizione come sei sempre stato. Passerò a salutarti e magari a consultarti, ma smetto di scriverti e d'immaginarti.

Libàrte, come promesso, allo scoccare dei 50.000 accessi, chiude.

Grazie.

Roberto

2008-10-27T10:50:00.002+01:00

liberal'evento

Magritte e il mistero della natura

La visione surrealista di René Magritte applicata alla natura è il tema dell’importante mostra che Milano ospita a Palazzo Reale dal 22 novembre al 29 marzo 2009.
“Magritte. Il mistero della natura“, mostra curata da Michel Draguet, raccoglie cento dipinti, tempere e sculture provenienti dal Musées Royaux des Beaux Arts del Belgio (che possiede la collezione pubblica più importante al mondo delle opere del maestro), e da collezioni private, di uno dei pochi autori che ha posto al centro delle sue ricerche artistiche la natura in relazione all’uomo e al vivere moderno.
Per mostrare l’approccio surrealista applicato alla natura, si parte dai primi e inaspettati dipinti futuristi dell’artista per passare alle immagini del periodo fra le due guerre e arrivare alle pitture più famose realizzate dagli anni Cinquanta in poi. Questo dovrebbe permettere di vedere sia lavori noti ormai a tutti (come quelli inseriti nella galleria delle immagini), sia lavori meno conosciuti.
Tra i capolavori si potranno osservare “Souvenir de voyage” del 1961, ovvero la mela verde mascherata da carnevale e “L’empire des lumières”, la casa immersa nel buio di un parco con sfondo di cielo azzurro e nuvole bianche.

viva la natura.

2008-10-24T11:51:00.001+02:00

fraterfamilias

2008-10-16T19:26:00.001+02:00

materfamilias

2008-10-15T11:23:00.002+02:00

liberal'evento

artverona

Dal 16 al 20 ottobre la quarta edizione della fiera scaligera di arte moderna e contemporanea ArtVerona 2008 cresce nelle proposte e nelle collaborazioni preannunciando interessanti novità ad affiancare la manifestazione eventi, mostre, performance. Per il suo quarto appuntamento ArtVerona si presenta agli appassionati d’arte moderna e contemporanea con nuove proposte culturali e di mercato, e con un ulteriore affinamento di quella che è la sua formula vincente. Attestatasi con una sua precisa fisionomia accanto alle maggiori e più storiche manifestazioni nazionali, ArtVerona è la fiera che più ampiamente rappresenta il panorama delle gallerie italiane di qualità. Limitata la partecipazione come lo scorso anno a 170 espositori, che proporranno una rosa selezionata di artisti di fama consolidata accanto ai talenti più promettenti, ArtVerona investe in un’articolata proposta culturale, avviando una serie di appuntamenti e collaborazioni che fanno della manifestazione un appuntamento ineludibile per chi ama l’arte e ne percorre i mercati. Consolidata la formula degli scorsi anni, con iniziative di successo quali ICONA e Premio Aletti - che quest’anno si arricchisce di un riconoscimento specifico dedicato alla fotografia - ArtVerona per la sua IV edizione ha pensato a delle vere e proprie nuove Sezioni quali VideoArtVerona, SoundArtVerona, 045 Open Space, Slam, che vanno a connotare la Fiera in maniera forte e significativa anche grazie al prezioso contributo di curatori di rilievo, con l’intenzione di investirvi anche negli anni a venire. ArtVerona gode fin dalla sua prima edizione del Patrocinio della Regione Veneto - che quest’anno partecipa sostenendo alcuni progetti - della Provincia di Verona e del Comune di Verona/Assessorato alla Cultura, grazie al quale sono state realizzate alcune delle iniziative in programma, oltre che della collaborazione di Veronafiere.

viva il mercato

2008-10-14T09:59:00.002+02:00

liberal'evento

Basquiat - fantasmi da scacciare

Fino al 1 febbraio, al Museo del Corso in Roma, una retrospettiva su Jean Michel Basquiat, in arte Samo, uno dei più importanti esponenti del graffitismo americano. Un’esistenza segnata dalla droga, che lo condusse ad una morte prematura il 12 agosto del 1988, quando venne ritrovato privo di vita nel suo appartamento di Great Jones Street di New York a causa di un cocktail fatale di stupefacenti. Basquiat ebbe una vita travagliata a causa di continue discriminazioni razziali ed un successo veloce ed inaspettato, tributato da quegli stessi bianchi che tempo addietro lo avevano emarginato.Le sue opere sono l’esempio la metà nera della Pop Art americana. Se da un lato l’arte di Andy Warhol, suo caro amico, è la raffinata fotografia della società consumistica e dell’insensibilità dell’uomo a cogliere i segni reali del vivere quotidiano, i disegni di Basquiat sono le grida di chi ha vissuto l’indifferenza e la discriminazione vissuta nei sobborghi di New York. La mostra, curata da Olivier Berggruen in collaborazione con Schirn Kunsthalle, raccoglie 40 opere, in particolare quelle che rapportavano le visioni dell’artista del corpo umano. Basquiat dipinse quei soggetti che confermavano il carattere precario della sua esperienza newyorkese: figure nere, immagini inserite nel paesaggio della sua gioventù (auto, poliziotti, cartoni animati, fumetti, graffiti), che in seguito confluiranno in energiche composizioni dipinte su tele. Le opere di Basquiat visualizzano un aggregato libero di elementi visivamente indipendenti tra loro, ma che si raccolgono in un flusso narrativo comune, assistito dall’utilizzo delle parole inserite come parte integrante dei suoi dipinti. Immagini fluide, mai statiche, che scivolano nel loro essere, rappresentazione di una realtà ironica e controversa; alcuni motivi appaiono invece con netta regolarità, come se dovessero assumere contorni rassicuranti agli occhi dell’osservatore. Sono i simboli della sua infanzia perduta: i suoi eroi neri, figure alle quali si ispirava durante la sua ricerca del successo. Modelli culturali di zone urbane, principalmente di quelle nere, spesso emarginate e quasi mai inserite in contesti normali. La sua creatività si traduce in una apparente mancanza di equilibri, con forti tensioni emotive che caratterizzano un artista mai domo, ma in continuo divenire. I numerosi frammenti nei quali vengono decomposti i corpi, contribuiscono ad una liberazione dalle strette gerarchie, nelle quali chiaramente non voleva rimanere ingabbiato.

viva i fantasmi

2008-10-13T09:28:00.009+02:00

liberal'evento

noir et blanc

Nell'Accademia di Francia a Roma, viene ospitata Noir et blanc, la nuova mostra fotografica di Marco Delogu. La mostra chiuderà il 30 Novembre e intende mostrare il percorso artistico di Delogu dagli anni '80 a oggi con una serie di 100 fotografie in bianco e nero sul nostro Paese. Si tratta prevalentemente di ritratti, ma anche di ciò che circonda l'uomo accompagnandoci fino al suo ultimo lavoro: Nature, che apre allo spazio depurato dall'uomo. Uno spazio plurale, senza vincoli che rivela il rapporto di essenzialità che l'artista ha sempre avuto con la fotografia.

viva il bianco e nero

2008-10-04T13:22:00.002+02:00

liberailsondaggio

loro...

Chiuso il sondaggio, vi propongo l'ultimo di questo blog. Ma prima di tutto, commentiamo questo qui. Sì è vero, m'è presa la botta di matto (come si dice a Roma) e m'ero detto "famme fà un pò lo psicologo"...operazione poco riuscita dato che evidentemente, gli ultimi due sondaggi erano un tantinello criptici. Quindi, dove c'è da riconoscerlo, io lo riconosco. Ma abbiamo comunque un'equa ripartizione di risposte in quest'ultimo nelle due risposte "loro non ci sono" e "loro pretendono"...
Uhm, due poli apparentemente opposti, da un lato quelli che non se li filano e dall'altro quelli che se li filano troppo. Quelli che vanno dritti per la loro strada e quelli sempre attenti a non calpestare i piedi a qualcuno. Quelli che badano ai fini e quelli che badano ai mezzi. Quelli che però, va ribaltato il punto di vista: se gli altri non ci sono, non è perché non ci sono veramente, ma è perché non li vogliono vedere. E se non li vuoi vedere è perché hai qualche conto in sospeso con loro. Quindi, gli uni e gli altri, hanno qualche problema che ruota sempre e comunque intorno agli altri. Sempre lì il problema e la panacea è un pò di sano egoismo. Oppure come dice Alexander Supertramp "happiness is real only when shared".
C'avrò preso?

Come ultimo sondaggione, vi chiedo proprio cosa pensiate di Libàrte. me lo devo.

viva il mio blog.

2008-10-03T13:03:00.002+02:00

liberalaconfessione

aspettandoi50.000

Blog fermo per quasi una settimana.
Scrivo sotto effetto delle endorfine. Corsa di speranze rigeneratrici. Ma sarà il solito effetto di qualche minuto, dopodiché tornerò al mio stato catalettico, che m'accompagna apputno da qualche giorno.
Parlo in prima persona e parlo di me, come raramente ho fatto su questo blog, perché ho maturato una scelta che investe il blog stesso: Libàrte, allo scoccare dei 50.000 contatti chiuderà i battenti. E non lo farà con rancore, forse (ma questo lo dirà il tempo) con qualche rimorso che ora come ora proprio non mi sovviene. Libàrte ha fatto il suo tempo: quasi 3 anni. E non chiude per scarsezza di contatti (anzi, Settembre ha registrato una nuova impennata) anche perché per suo stesso stile, non ha mai ambito ad essere un blog visitato. Forse, non ha mai ambito ad essere un blog e s'è trovato catapultato qui perché io, vittima della mia spesso sciocca intraprendenza mi ero detto: proviamoci. E ora, non me ne pento. Con Libàrte sono stato io il primo ad imparare cose nuove, ad approfondire "le vite degli altri", a memorizzare eventi importanti.
Chiuderò perché s'avvicina per me la fine di un'epoca che, ultimamente, mi regala soprattutto bocconi amari o forse sono io ad avere la bocca guasta e a non saper rigirare il boccone dalla parte buona. Ma, sebbene parli di me, non voglio parlare di cosa. Anche perché so, anzi, voglio sapere, voglio credere che sarà così, io mi riprenderò. Come è sempre successo. Forse ho solo bisogno di cambiare aria.
Sogno Parigi.
Sogno qualcosa di diverso da quello che ho qui che m'intrappola e mi mette con le spalle al muro. Che non mi loda e non mi smerda, semplicemente non mi riconosce. E allora, anonimo per anonimo, meglio farlo dove almeno so che davvero le persone non sanno chi sono. Dove posso handicapparmi con la lingua e mostrare la mia mediocrità senza pudore, rinsavendo da questo deleteria mania della "migliorità" a cui ci vogliono abituare. Che poi, migliorità non è, è solo una presa per i fondelli.
Non sono una vittima, sono uno che s'è rotto le palle.

viva il percorso ai 50.000!

2008-09-27T12:16:00.002+02:00

liberal'autunno

postsenzatroppepretese

Con questo week-end sanciamo l'inizio ufficiale dell'autunno. E conviene salutarlo bene, come conviene salutare bene tutto e tutti. Non si sa mai.
Bene, il modo più veloce, economico e bello, ovviamente bello, è dedicando le due canzoni che mi hanno fatto ballare e divertire di più nell'estate appena trascorsa. Non nascondo il debole che ho per questi due pezzi che, anticipo, sono ovviamente coatti.
Ma d'altro canto come non essere coatti di questi tempi. Meglio esserlo o diventarci. Non si sa mai.

Brazil street 75

Put your hands up for Detroit

viva il coattume.

2008-09-26T10:37:00.003+02:00

liberal'idea

togliereiltappocadutonellabottiglia

Allora, per me è un problema serio quello di stappare i vini. Una di quelle cose che, voi per suggestione, vuoi per esperienza, dici "è meglio che loo faccia qualcun'altro: sicuro rompo il tappo". Bene, non solo il tappo si può rompere (e se la bottiglia è costata cara, sono rogne) ma può anche cascarci dentro. E quando ci casca è un guaio, perché poi, ovviamente, il vino saprà di tappo (beati quelli che lo capiscono anche quando il tappo non c'è cascato).
Comunque, qui un video che ci spiega come fare nella malaugurata situazione in cui il tappo sia finito nella bottiglia.

Ora, la domanda nasce spontanea: ma se casca un tappo dentro una bottiglia vuota...ma a chi cazzo vuoi che gliene frega?! Ma il problema è ovviamente se c'è del liquido dentro! Per quanto ingegnoso (ci voglio assolutamente provare) è socialmente inutile 'sto video! E qui partirebbe il domandone: ma il blogger sei tu, che lo hai postato a fare?! Seee, fossero così semplici le cose.

viva i tappi.

2008-09-25T10:23:00.002+02:00

liberal'evento

Palladio 500 anni

A 500 anni dalla nascita, Vicenza celebra fino al 6 Gennaio con una grande mostra il genio che ha diffuso attraverso secoli e continenti i segni delle sue invenzioni ispirate all'antico. Un sistema universale di "montaggio" delle costruzioni. Con la scoperta di una architettura a colori, di rosso intenso come nelle chiese di Venezia. Inventore del "low cost" con mattoni ricoperti di "marmorino" invece delle colonne di pietra. In mostra un tesoro di 78 disegni autografi arrivato per la prima volta da Londra e una "città" di oltre 40 modelli. Il pazzesco progetto del ponte di Rialto. Andrea Palladio, può essere considerato il primo architetto globale senza essersi mai mosso dal Veneto. Globale non solo per quello che progettava, palazzi privati e pubblici, ville urbane e suburbane, chiese, piccole abitazioni, ponti, ma per aver trapassato i secoli e i continenti, spargendo elementi "palladiani" dal Cinquecento in cui è nato (1508) al Seicento, Settecento, Ottocento fino alle copie del giorno d'oggi. Dall'Italia all'Europa, Inghilterra soprattutto, dall'impero ottomano alla Russia, agli Stati Uniti, all'America del Sud, al Medio Oriente, all'Australia. D'altra parte sua è la "Gioconda" degli edifici, "La Rotonda", la villa per l'intrattenimento colto, con quattro enigmatici ingressi identici, un "unicum nell'architettura di ogni tempo", resa ancora più sublime dalla posizione su di un piccolo rilievo che le dà il senso di un ideale da raggiungere. A 1.500 metri da Vicenza città. Palladio è probabilmente l'architetto più famoso, la figura centrale di cinque secoli. Ha avuto il coraggio di maneggiare gli elementi più pericolosi della classicità, colonne, pronai, timpani, statue, scalinate, portici, ordini giganti, senza cadere nell'artefatto, nell'estraneo al tempo e all'ambiente in cui la costruzione doveva nascere e che studiava attentamente come parte del progetto. Creando organismi autonomi, armoniosi, equilibrati e distinguibilissimi, valorizzati dalle dimensioni contenute, splendide in Vicenza, la città "palladiana" per eccellenza, celebre in Europa per seta e tessuti.
Dagli anni Sessanta le costruzioni diventano anche colorate: un paradosso, quasi uno schizzo di fango sul blasone del Palladio "tutto bianco", neolassico. Come invece dimostra l'interno della chiesa veneziana di San Giorgio Maggiore (e la Malcontenta dei Foscari e il convento della Carità a Venezia ora Gallerie dell'Accademia), con colonne di colore rosso intenso, basi e capitelli in pietra bianca, paraste del tamburo, finestre e arconi sotto un "sottilissimo stucco pigmentato di rosso". Armonie di composizione "su basi rigidamente geometriche ed essenziali", sintesi "fra effetti architettonici e pittorici". Ecco perché c'è chi parla di "fantasiosa interpretazione su basi di puro razionalismo", di "carattere razionale e astratto" che ha facilitato la diffusione dell'architettura palladiana nel Nord Europa. Un "tipo" di architettura che ha alla base una lingua o grammatica i cui componenti (dimensioni di stanze, scale, eccetera) possono essere assemblati secondo le esigenze. Questo straordinaria nuova architettura non avrebbe avuto la popolarità e diffusione universale che ha avuto se Palladio non avesse portato a termine un'altra costruzione monumentale, ma fatta di disegni, spiegazioni, descrizioni, "I Quattro Libri dell'Architettura". Nel "Primo" espone le sue formule per gli ordini, le stanze, le scale, il disegno dei dettagli. Nel "Secondo e Terzo" offre quello che "nessun architetto aveva fatto prima", una retrospettiva dei propri disegni per palazzi, ville, edifici pubblici, ponti. Ai "Libri" comincia a lavorare nel 1540 e li stampa 30 anni dopo a Venezia, capitale mondiale dell'editoria. L'ambizione di Palladio è fornire il terzo trattato di architettura, dopo Vitruvio, l'unico testo antico sopravvissuto di architettura, e l'Alberti. Ora di questo gigante ricorre il quinto centenario della nascita, il 30 novembre. E "Palladio 500 anni" viene celebrato a Vicenza con quella che si presenta come "La grande mostra" (dal 20 settembre al 6 gennaio 2009). A Vicenza perché Andrea padovano (ma i vicentini non hanno mai digerito questa origine), dai sedici anni aveva vissuto e lavorato in questa città e perché Vicenza è appunto segnata dal Palladio. La mostra è al piano nobile di Palazzo Barbaran da Porto, il solo grande palazzo di città che il Palladio riuscì a realizzare integralmente, fra 1569 e 1575 (le quattro colonne dell'atrio sono quelle che sostengono il grande salone). In mostra sono 200 opere fra dipinti (con ritratti di Tiziano, Paolo Veronese, Tintoretto, El Greco; vedute e "capricci" palladiani di Canaletto) e un disegno-ritratto di Van Dyck. Modelli e modelloni architettonici, capolavori di alto artigianato, delle ville, palazzi, chiese più importanti: sezionati, apribili, che fanno penetrare organismi complessi; modellini tridimensionali per rendere leggibili i disegni. Il cuore della mostra sono 78 disegni autografi di Palladio molti dei quali tornano per la prima volta in Italia dopo la vendita da parte di Vincenzo Scamozzi all'architetto inglese Inigo Jones nel 1614.

viva l'innovazione.

2008-09-22T19:12:00.011+02:00

liberal'arte

laformuladelXXIsecolo

Il critico d'arte svizzero Ulrich Obrist, provocò gli artisti contemporanei qualche tempo fa invitandoli a disegnare una formula per il XXI secolo. Ecco alcune risposte.
Peter Fischli + David Weiss
Keith Tyson
Tacita Dean

Gilbert George

Mario Ybarra Jr.

Michel Houellebecq

Charles Jencks

Olafur Eliasson

Yoko Ono

Damine Hirst

viva il XXI secolo.

2008-09-21T13:18:00.001+02:00

liberal'autore
Daniel Edwards

Scultore americano nato a La Porte, Indiana, nel 1965. Riproduce o si ispira a personaggi celebri e della cultura popolare in modi sepsso controversi e che non mancano mai di stupire. Tant'è che non c'è opera che non venga accompagnata da una tempesta di pezzi giornalistici a favore e contro. Tanti i personaggi riprodotti alle prese con le operazioni più strane o in modi comunque provocatori. Cosa voglia dirci questo scultore non è del tutto chiaro, forse neppure a lui, ma intanto ci gustiamo una galleria dei suoi "pezzi" più famosi.

Principe Harry morto

Britney Spears partoriente

Paris Hilton

Hillary Clinton

Michelle Obama

viva la provocazione.

2008-09-20T14:55:00.002+02:00

liberalosfogo

bloggerincrisi

Queste dighe di cartone crolleranno. Questa farsa messa in scena dai nostri genitori verrà smascherata. Altro che complesso edipico allora, scopriremo che questi qua volevano, assai poco freudianamente, fotterci. Poca libido, molta fregatura.

Ci prendono in giro, ci spiegano il mercato del lavoro come se lo avessero costruito loro. E forse è così, chi meglio di loro può spiegarcelo? Ma ci spiegano anche che va raggirato: cioé, sono i creatori e gli hacker allo stesso tempo. Ci dicono che allora, bisogna farsi furbi: mors tua vita mea, si dice a casa mia.

Ora, io non sono un moralista, ma non ci vuole tanto per diventarlo. Soprattutto quando il tutto viene edulcorato dalla presenza seduttiva di un oratore esperto. Uno di quelli che ha presa sulla platea, quello che le veline amano, siano psicologhe, sociologhe o lungimiranti dottoresse in tuttologia. Le menti s'appannano quando di fronte hai uno che sembra saperla lunga, uno sicuro di sé, determinato, convinto. E allora, non ti salta in mente che quel selezionatore, davanti a un alua di 40 disperati disoccupati che non stanno richiedendo un impiego, ma uno stage (e neppure retribuito) sta cavalcando come una furia l'emotività della gente. Quella stessa gente che si descrive come amante delle relazioni perché, le piace stare con le persone, è un tipo solare, odia la mancanza di rispetto, eccetera eccetera...per natura quindi, mooolto sensibile (altra parola enigmatica)

Ma di cosa stiamo parlando? Cosa ci state dicendo? Che lo studio è diventato un surplus per il lavoro, che basta il carisma, che basta saperci fare? Ci state dicendo che non c'è bisogno di avere delle competenze, ma basta saper agganciare la gente, basta saper ascoltare? E la gente prima o poi non si romperà il cazzo di parlare e basta? Ma poi, la gente, entità suprema e superpartes, che avrà da dire e dire e dire da voler essere sempre ascoltata?

Il punto non è questo, il punto è la posizione pecorina che continuiamo ad assumere, il sorriso che ricambiamo incrociando le dita, l'affabilità con cui pensiamo che le cose debbano andare così e soprattutto la noncurante abilità a reiterare le cose che ci stanno schifando.

viva la disoccupazione

(piuttosto che a tergo)

2008-09-19T09:44:00.002+02:00

liberalabellezza
Emilie Simon

Cantautrice francese, classe 1978, Emilie esordisce con l'album omonimo nel 2004 vincendo la 19° Victoire de la musique. Al grande pubblico diviene nota grazie a uno spot in cui viene usato il suo pezzo Desert e soprattutto con lo stupendo film-documentario La marcia dei Pinguini.
Posto dei video: queste clip sono bellissime!

flowers

desert

fleur de saison

viva montpellier.

2008-09-18T11:21:00.002+02:00

liberal'autore

Stefania Fabrizi

C'è un nucleo di artisti italiani che, a cavallo tra l'ultima decade del Novecento e questi nostri primi anni Duemila, hanno saputo ripartire dalla matrice classica e non di rado monumentale dell'arte italiana del Novecento, innestandola però su un humus e su una sensibilità contemporanea, nutrendola di stimoli e di temi che affondano le loro radici nel pieno delle nostre inquietudini, delle nostre contraddizioni e delle nostre incertezze. Stefania Fabrizi fa parte a pieno titolo di questa generazione, ed è, a Roma, una di quelle che hanno saputo meglio interpretare questa fusione di stili e di sensibilità così apparentemente distanti eppure così felicemente amalgamabili. I suoi boxeur, i suoi replicanti, i suoi metallici guerrieri di non si sa più quale guerra (passata o presente?), strani eroi monumentali di un'epoca che pare sospesa tra un passato non poi tanto lontano e un futuro quanto mai prossimo, sono infatti la testimonianza visiva, più che mai colta e raffinata dal punto di vista del pastiche linguistico e della tecnica pittorica, dello scarto che esiste tra la nostra intima necessità di recuperare le nostre radici identitarie e culturali radici che da troppo tempo ci hanno fatto apparire come dimenticate, fatalmente perdute e la nostra necessità di combinare stili, linguaggi, riferimenti a quella cultura contemporanea con cui siamo cresciuti e con i quali conviviamo giorno dopo giorno, dalla cinematografia al fumetto alla letteratura, senza più differenze tra arti alte e basse, tra politicamente corretto e scorretto, tra lecito e illecito, tra serietà e divertissement. Nudismi vestiti in superfici morbide, abiti senza peli, forme di carne umana indossate come corpo totale: stanno qui gli alienumani di Stefania Fabrizi, i figli silenti di un pennello che dipinge il prisma mobile del suo animo. L'artista usa l'epidermide per costruire un mondo di avventure intime, stravolgimenti inferiori, continue variazioni spirituali. I suoi compagni di viaggio sono persone, difficili, inquiete, dure nell'imponenza dei muscoli. Hanno forme squadrate, teste calve, sguardi di immobilità insistente. Assomigliano ad umanoidi che affondano i piedi dentro l'asfalto. Ci scrutano con una decisa presenza frontale. Vogliono imporsi come figli arcaici di una statuaria militaresca. Eppure hanno qualcosa di emozionale che li sorregge, costringendoci ad uno sguardo aperto davanti al "cattivo". Gli alienumani della Fabrizi non ridono e non piangono. Guardano l'immobilità ma vivono al massimo grado le proprie spinte, dandosi alla vita senza alcun risparmio. Li sorregge una dignità che in pochi sanno sostenere. Si muovono come specchi disgiunti di quel prisma che ognuno porta nello spirito. Rappresentano le nostre paure, le emozioni e le debolezze intime, le prese di coscienza e gli atti di forza che sorreggono i piedi nella vita. Eccoli lì, nemici apparenti che diventano compagni di strada. Un aiuto per non scivolare sull'asfalto umido. Talvolta quei giganti salvano chi rischia la caduta: e lo fanno con la stessa calma con cui osservano l'orizzonte davanti a loro. Quei fantasmi che ci camminano dentro chiedono la nostra amicizia e un amore sanato. Sembrano cattivi ma solo finché non si afferra il loro linguaggio muto. Stefania Fabrizi dialoga coi suoi alienumani maschili e femminili, parla con figure imponenti, pugili in attesa e corpi mascherati, si incontra con suonatori di silenzio, divoratori di ossigeno e filosofi dell'istinto. Li tocca mentre cercano la libertà dello spirito attraverso il corpo. Per la Fabrizi quella libertà rappresenta una quotidiana sfida da far vibrare. Le forme di energia colorata che spesso dipinge incarnano la lotta per la vita. Alimentano il suono che nasce dalla corda tesa dell'esperienza. Le sonorità scivolano lontano e la nudità dello spirito mostra un senso possibile della verità fisica.

viva l'imponenza.

2008-09-17T11:19:00.002+02:00

liberal'autore

Maurizio Savini

Maurizio Savini nasce a Roma , studia architettura alla università "La sapienza" di Roma. Dal 1989 Frequenta a lungo l´atelier di Gianni Dessì e nel 1992 tiene la sua prima mostra personale a Dusseldorf. Nel 1995, oltre ad una esposizione personale presso la Reiner Eickoff Galerie di Hamburg , realizza su disegno di Toti Scialoja la scenografia "La Mela di Amleto",in scena nel chiostro di Trinità dei Monti a Roma e l´installazione dal titolo "Così" negli spazi del Museo laboratorio dell´Università "La Sapienza. Attivo già dalla fine degli anni '80, è definitivamente emerso nel panorama italiano grazie all'uso di un materiale tanto atipico quanto immediatamente riconoscibile: il chewing gum rosa. Ne fa dunque scultura, manipolandolo con una lavorazione assai elaborata che parte dal calco di gesso, dal rivestimento in poliuretano espanso, e in seguito modella la "gomma da masticare" essiccandola con tre fissativi, l'antibiotico, la formaldeide, il paraloid. Nelle sue opere Savini rimane in bilico tra un'idea di scultura bizzarra e surreale, una sorta di bestiario fantastico dove gli animali finiscono per assumere caratteri simbolici che si riflettono sugli umani, e un risvoltosociale e politico, praticato soprattutto negli interventi spaziali e installativi. La gomma da masticare si associa ad una sensazione di euforia, di cambiamento e di spensirata giovinezza è in qualche modo proseguita nei decenni successivi. Anche per chi come Maurizio, è nato negli anni Sessanta, il chewing-gum attanaglia nei meandri della mente un legame con l'infazia e l'adolescenza. Il movimento sensuale della masticazione, il profumo artificiale e segretamente asettico che si sparge dalla bocca come un bacio promesso e mancato, la carnalità sintetica del colore rosato, la squadratura ossesiva del prodotto appena scartato e pronto ad essere ridotto a brandelli dalla forza della lingua si infrangono a gara sui sensi. L'applicazione di tutto questo alla forza e all'energia della scultura e della sua storia provocano un corto circuito capace di rendere aulico il ludico e viceversa. Il minimalismo rigorosodi un parallelepipedo è sovvenuto dal rivestimento uniforme delle tante barre di chewing-gum che lo avvolgono completamente, rendendo masticabile al desiderio, soffice e provocante al tatto proibito ciò che prima era astratto e distante.

viva il chewing gum.

2008-09-15T19:47:00.006+02:00

liberalaserenissima

ritornodavenezia

La 3 giorni veneta è finita. Una 3 giorni di acqua sotto i piedi e sorpa la testa. Di raffiche di vento tra le mura delle cà e dentro la testa. Di arte antica e contemporanea mischiate nello stesso tempo e nello stesso spazio.
Parliamo della Biennale 2008, aperta oggi al pubblico e nel weekend in anteprima. Come si dice in questi casi: io c'ero. Ma non ho capito se sono andato alla Biennale di Architettura o di Arte. E se non l'ho capito è perché mi sa che manco gli architetti stanno più capendo se devono costruire o dare di matto. In esposizione, infatti, pure masturbazioni artistiche, deliri ingegnosi e intellettualistici di chi non ci pensa nenache lontanamente a mettersi a servizio del sociale, bensì preferisce coi soldi di un buon committente, dare sfogo al suo estro. Tutto bene, basta che poi non si obblighi la gente ad avere a che fare con degli scempi.
Ma io non sono bigotto e, prese per quello che erano (e cioé istallazioni di arte contemporanea) la prima sezione è davvero bella, anzi geniale. Tanto per la cronaca, il vincitore è stato Ghery, quello del Guggheneim di Bilbao per intenderci, che qui aveva portato un fac-simile (muri di tegole messe a casaccio insomma) ricoperto però di creta.
Nelle sezioni nazionali, invece, proposte di bella architettura. Spesso irrealizzabili (anche se questi architetti hanno il vizio della profezia: sanno sempre cosa è meglio per un inquilino!), ma ecco, come dire, torniamo a parlare di mattoni.

viva (comunque) venezia.

2008-09-11T11:28:00.003+02:00

liberalabiennaledivenezia

weekendlagunare

21 Installazioni alle Corderie dell’Arsenale, e 15 nuovi studi (per un totale di 55) nella sezione Experimental Architecture al Padiglione Italia ai Giardini, la lista dei partecipanti all’11. Mostra Internazionale di Architettura, Out There: Architecture Beyond Building, diretta da Aaron Betsky e organizzata dalla Biennale di Venezia presieduta da Paolo Baratta, in programma a Venezia (Giardini e Arsenale) dal 14 settembre al 23 novembre 2008, include anche Frank Gehry e Matthew Ritchie. I partecipanti sono: Diller Scofidio+Renfro, UN Studio, Massimiliano Fuksas, Nigel Coates, Droog Design, Philippe Rahm, M-A-D, Coop Himmelb(l)au, Vicente Guallart, Zaha Hadid, An Te Liu, Greg Lynn, MVRDV, Penezič e Rogina, Asymptote, Atelier Bow Wow, Barkow Leibinger Architects, Frank Gehry, Matthew Ritchie in collaborazione con Aranda/Lasch e Daniel Bosia/Arup Agu. A continuare questo tema, ricordando l’Arsenale, una capanna odierna dal Kazakistan di Totan Kuzembaev e il “giardino paradisiaco” di Kathryn Gustafson. Queste installazioni saranno accompagnate, come noto, da Manifestos, manifesti d’intento per un’architettura “oltre il costruire”, mentre Corderie dell’Arsenale si apriranno con Hall of Fragments, di David Rockwell con Casey Jones + Reed Kroloff.
In mostra il lavoro di nomi da tutto il mondo, comprese esposizioni monografiche di Masters of Experiment che hanno basato il loro lavoro sulla sperimentazione: Frank Gehry, Herzog & de Meuron, Morphosis, Zaha Hadid e Coop Himmelb(l)au. Al piano rialzato del Padiglione Italia, Upload City, con la collaborazione di Saskia van Stein, presenterà video da YouTube e fonti analoghe, che mostreranno l’architettura sperimentale prodotta dalla (o per) la prossima generazione.
Le Artiglierie dell’Arsenale accoglieranno anche Uneternal City. Trent’anni da “Roma interrotta”, dodici visioni progettuali su Roma e la sua periferia di Centola Associati, Delogu Associati, Giammetta & Giammetta, Labics, n!studio, Nemesi, t-studio, BIG (Danimarca), Clark Stevens-New West Land (Usa), Koning Eizenberg Architecture (Usa), MAD (Cina), West 8 (Olanda). Alle Artiglierie saranno inoltre ospitati i lavori dei primi 10 classificati e delle 40 menzioni d’onore del concorso online per studenti universitari Everyville 2008. Comunità oltre il Luogo. Senso civico oltre l’Architettura, a cura di Aaron Betsky con la collaborazione di Francesco Delogu.

Io ci sarò, in anteprima. Libàrte torna lunedì.

viva le gondole.

2008-09-08T10:07:00.003+02:00

liberalamusica

Sarah Vaughan

Sarah Lois Vaughan, morta nel 1990, è stata una cantante jazz statunitense, esponente del be bop e regina di questo stile.
Chiamata a ragione "la Divina", Sarah Vaughan possedeva una delle più belle, profonde e modulate voci della storia del jazz. Con la sua tecnica originale ed elegante preferiva cantare su basi armoniche ritmiche e veloci e sui contrasti dissonanti tipici del Be Bop.
Nel 1942 vince un concorso di canto all'Apollo Theater di Harlem, grazie alla sua interpretazione della canzone Body and Soul. Tra il pubblico c'è il cantante Billy Eckstine, che sei mesi dopo la chiama per unirsi alla sua band. In tal modo Sarah perfezione l'uso della sua voce, e avrà l'opportunità di farsi accompagnare da talenti del calibro di Dizzy Gillespie e Charlie Parker.
Nel 1945 lascia la band e comincia una fortunata carriera da solista. Nel '47 sposa il trombettista George Treadwell in seguito anche suo manager, ma la cantante si sposerà altre tre volte.
Alla fine degli anni '40 Sarah Vaughan conquista il pubblico statunitense intonando brani come Tenderly e It's Magic, e nel decennio seguente sfornerà un successo dietro l'altro, con canzoni come Misty e Broken-Hearted Melody, dimostrando tutta tutta la propria profonda carica interpretativa e l'incisiva delicatezza sella propria voce.
Negli anni anni '50 si eisbisce con i più grandi musicisti jazz del periodo, come Miles Davis e Jimmy Jones e man mano acquista un tono più baritonale, continuando ad incantare le platee. Negli anni '60 affronta con successo anche il genere della Bossa nova.
Nel 1981 riceve un premio Emmy per un suo special televisivo dedicato a George Gershwin, e nel '83 le viene consegnato un Grammy per l'incisione di un album monografico sempre su Gershwin.
La "divina" continuerà ad esibirsi fino a poco tempo prima prima della sua morte, avvenuta all'età di sessantasei anni.
whatever lola wants

somewhere over the rainbows

perdido

don't blame me

peter gunn

summertime

my funny valentine

viva il be bop

2008-09-07T14:13:00.004+02:00

liberal'autore

Sir John Tenniel

Nato nel 1820 e morto nel 1914, è stato un pittore e illustratore inglese. Per quasi tutta la carriera disegnò vignette satiriche e caricature per la rivista Punch, ma viene ricordato soprattutto per le sue illustrazioni per i due romanzi di Lewis Carroll, Alice nel Paese delle Meraviglie e Dietro lo specchio.
Nonostante la sua aspirazione alle arti nobili, ebbero un notevole successo le sue illustrazioni delle favole di Esopo, in cui Tenniel aveva unito il talento artistico al senso dello humour e a uno studio accurato degli animali e del loro comportamento. Nel 1850, a Natale, Mark Lemon gli offrì un posto come disegnatore associato per la rivista Punch, insieme a John Leech (un altro celebre illustratore, Richard Doyle, aveva rifiutato il posto). Quando Leech morì, Tenniel continuò il lavoro presso Punch da solo, contribuendo a tutti i numeri della rivista, con la sola eccezione di brevi periodi di infermità o di vacanza, e realizzando circa 2300 vignette e un numero incalcolabile di disegni minori, distinguendosi per la qualità artistica delle sue opere e l'acutezza umoristica della sua satira. In generale, i suoi contributi a Punch erano in sintonia con la linea politica Whig della rivista, sebbene i toni delle sue opere fossero in genere più moderati dei testi a cui si accompagnavano.
Le opere di Tenniel sono rinomate per l'accuratezza del disegno, la precisione del tratto, l'eleganza della composizione, e la genialità della satira; gli viene generalmente riconosciuto il merito di aver elevato la vignetta satirica a tema politico alla dignità di una vera e propria arte.

viva Alice.

2008-09-06T16:53:00.003+02:00

liberalosfogo
ma non troppo

Reduci dai master, dai corsi professionalizzanti, dalle specializzazioni proposte, imposte, supposte dove non batte il sole. Bramosi di dottorati, collaborazioni, stages e tirocini. Mai paghi di studiare, amiamo la formazione da volerla portare al dito. A un dito ben formato come il medio: alto, regale e austero.
Scavati in faccia, resistenti di una resistenza malata, molto più livida che rossa. La nostra religione si chiama curriculum. Non sappiamo più neppure cosa vuol dire. Ci dicono che va allungato. A me arrivano e-mail sull'enlargement penis, ma nessuna mi parla del curriculum. Eppure, sono entrambi termini in latino, qualche attinenza ce la dovranno pur avere. Se non altro, un qualche spessore intellettuale adoperando un linguaggio tanto vetusto. Vetusto come il termine vetusto: segno incomiabile della mia cultura.
Affannati su una macedonia di lettere chiamata tastiera, rapiti dallo spasmodico additare una montagnetta di plastica che, dicono, somigli a un topo. Ma a parte il filo che deduco uscirgli dal buco del culo, questo aggeggio ha ben poco di animale. Neanche mi mozzica, e come vorrei ogni tanto lo facesse. E come vorrei mi sfuggisse di mano. Apriamo le finestre del computer (perché così si traduce Windows) e inviamo curriculum. Ci iscriviamo nei siti delle agenzie interinali ma ci propongono solo master, corsi professionalizzanti, specializzazioni. Quelli da pagare quindi, avete capito bene, quelli da affrontare virilmente. Apriamo le finestre sul mondo, sperando di riconoscerci in qualcosa, di assecondare i nostri interessi e le nostre passioni, se mai ne avessimo, confondendo lo schermo per uno specchio. Ma al diavolo: è così che non ci riconosceremo mai in nessun posto.
Pronti alla formazione continua e al prossimo colloquio di selezione. Pronti al lavoro in nero e alla busta paga del minimo indispensabile. Sappiamo che ormai si laureano cani, porci, gatti e uccelli: Orwell la chiamerebbe l'accademia degli animali. Lo standard è sempre più alto e la qualità sempre più mediocre: troppo accesso fa male all'eccellenza. Assuefatti al ricatto del datore che crede d'intontirci con le sue chiacchiere sul mondo. Se mai finisse la farsa, vorremmo proprio farci due chiacchiere a quattr'occhi con questo tipo qua. Due per Quattro, otto. Pure poche queste chiacchiere: come si dice qui, gli andrebbe pure di lusso.
Eh già, ma non andrà così. Non questa volta, una volta ancora. Passo indietro, torno nella fanteria (pure a piedi ci hanno lasciati!), sbaragliata dal suo stesso esercito. E ci troviamo a pensare, con lo sguardo rivolto sugli infinti punti dell'orizzonte:
Siamo laureati, quindi preparati. Ma non troppo.
Siamo in cerca di lavoro, bipolarmente motivati e disillusi. Ma non troppo.
Siamo incazzati per la precarietà, vorremmo protestare col capo. Ma poi. Ma non troppo.
Siamo pieni zeppi di valori, vorremmo applicarli sul posto di lavoro, anzi anche subito. Ma non troppo.
Critichiamo il sistema, sbuffiamo, alziamo gli occhi al cielo e possibilmete ci sbalordiamo di viviere in un Paese che vota il furbetto del quartierino di Arbore. Ma non troppo.

viva la cultura.

2008-09-05T14:49:00.000+02:00

liberaloscultore

Rodin

François-Auguste-René Rodin (Parigi, 1840-Meudon, 1917) è stato uno scultore e pittore francese. Rifiutato al Salon, nel 1875 partì per l'Italia dove studiò l'opera di Michelangelo.
Nel 1880 gli venne commissionata la porta bronzea per il nuovo Museo des Arts Decoratifs, Rodin scelse un soggetto dantesco (donde il nome di Porta dell'inferno) e lavorò fino alla morte nel tentativo, mai condotto a termine, di realizzare una grande allegoria della dannazione attraverso la rappresentazione del nudo: un romantico e caotico insieme di figure, memori del Giudizio Universale di Michelangelo, delle illustrazioni per la Divina Commedia di Gustave Doré e dell'opera di William Blake.
La porta impegnò Rodin per tutto il decennio, e nel 1889 era quasi pronta. Ma quando fu chiaro che il Museo des Arts Decoratifs non si sarebbe costruito, l'artista abbandonò il lavoro. L'unica descrizione che ne abbiamo, quando era quasi completa, la dobbiamo al critico e romanziere Octave Mirbeau, amico ed ammiratore di Rodin. Lo riprese solo verso il 1899 quando nacque l'idea di allestire la porta al Pavillon Marsan del Louvre, dove si prospettò di trasferire il Museo des Arts Decoratifs, ma non se ne fece niente e così la porta in gesso fu montata nell'esposizione personale di Rodin a Place de l'Alma nel 1900.
Benché sia un'opera incompiuta, la Porta dell'inferno segna la tappa più significativa della storia creativa di Rodin. Gran parte delle figure da lui modellate tra il 1880 e il 1890 erano infatti pensate per entrare a far parte della porta, e furono da lui esposte e vendute come figure o gruppi indipendenti solo in un secondo tempo.
Tra il 1885 e il 1895 realizzò il monumento I borghesi di Calais, per l'omonima città e celebrativo dell'eroica resistenza opposta dalla cittadina agli invasori inglesi nel XIV secolo. Il gruppo rappresenta i cittadini nel momento in cui decidono, uno dopo l'altro, di darsi volontariamente come ostaggi agli inglesi per salvare la città. Rodin rifuggendo dalla retoricità, rappresenta i singoli cittadini laceri tormentati e in ceppi. La collocazione su un piedistallo, venne decisa dall'autorità pubblica di Calais, mentre l'artista pensava ad una soluzione che coinvolgesse i passanti in modo teatrale, scriverà:
Il monumento a Honoré de Balzac, gli venne commissionato da Emile Zola, per conto della Société des Gens de Lettre, il gesso, terminato nel 1893 venne rifiutato dalla Société perché ritenuto non finito e solo nel 1939 il Balzac verrà sistemato nel Boulevard Raspail.

the gate of hell
the kiss spirit of war cupido e psiche

danaide

the tinker

viva la materia.

2008-09-04T11:51:00.004+02:00

liberal'urlo

viaveltroni!

Sinistra accondiscendente. Sinistra colpevole. Sinistra corrotta.
Tutto questo tempo a domandarmi ingenuamente perché mai il PD stesse più o meno appoggiando la linea del regime Berlusconi. Dico regime perché in questo Paese, che faccia paura dirlo o che sembri anacronistico, vige un regime. Un Paese in cui il Presidente del Consiglio per prima cosa vieta la possibilità di pubblicare atti di inchieste (censura dell'informazione) e vieta il normale corso della Magistratura sulle cariche istituzionali (censura della legge, nonché sovversione dell'art.3: La Legge è uguale per tutti), è un Paese in mano ad un regime. La gente lo sa, ma è troppo impigrita per ribellarsi. Ha scordato come si fa o meglio, non l'ha mai fatto (parlo della mia generazione) e i libri di storia evidentemente non gli bastano.
Insomma, ho capito perché il PD abbia adottato questa linea così soft: perché complice di questo regime. Mi dicevo: boh, forse è che la sconfitta è stata così pesante che hanno dismesso i panni dei riformisti visto che non funzionano più. D'altro canto mi dicevo anche che chi non ha votato Berlusconi non l'ha fatto con qualche perplessità: chi non l'ha votato è perché non vuole lui e la sua combriccola al Governo di questo Paese. Detto con altre parole, non vuole che i propri soldi, sudati non tanto per le ore lavorative ma per ottenerle quelle ore lavorative, vadano così gratuitamente nelle tasche non dello Stato, ma... di chi? Non possiamo saperlo, perché gli innumerevoli processi a carico di Silvio e compagni non possiamo più conoscerli. E le intercettazioni, l'unico metodo per sapere i fatti (oltre alla spontanea ammissione di qualcuno coinvolto o qualcuno che ha visto), non si possono più fare sul 95% dei reati. Questa è una catastrofe. Tanto per aizzare il pathos, tra questi reati c'è anche l'abuso di minore. Intercettazioni telefoniche che, a detta del ministro Alfano, costano troppo (menzogna: non il 33% del budget del Ministero, bensì il 2,9%) e coinvolgono troppe persone (non 3 milioni, che comunque in confronto ai 56 sarebbe una cifra irrisoria, bensì circa 15000). Così, per i reati maggiori, le intercettazioni si possono fare solo per 3 mesi: dov'è il senso di questa limitazione? Un qualche studio psicologico ha dimostrato che i delinquenti si stancano dopo due mesi e mezzo?
Schifato dalla complicità di questa non-opposizione come la definisce Flores d'Arcais o diversamente concorde come dice Travaglio. Stanco di veder ripetere, con altre forme ma non meno gravemente, quanto successe sotto il fascismo: la massa non si rendeva conto di quanto stava accadendo perché il processo è lento e persino gli intellettuali avevano preso sottogamba il fenomeno Mussolini (da Giolitti a Benedetto Croce). Oggi accade lo stesso, con l'aggravante che gli intellettuali sono pochi o meglio che chi minimizza e taccia la sinistra radicale di pessimismo, giustizialismo, allarmismo, ismo,ismo, ismo... sono persone di spettacolo o, giustamente, membri della maggiornaza. Ma quando te lo dice anche l'opposizione, quell'opposizione che guarda caso mollerà a breve l'Italia dei Valori per allearsi con un'altra azzeccatissima combriccola di pregiudicati chiamata UDC, qualcosa non torna. Ma come, l'opposizione non si accorge di quello che sta accadendo? Sì che se ne accorge, ma ama farsi definire "male minore". E i mali minori sono comunque dei mali: è comprovato storicamente il nesso che lega i mali minori col male maggiore. Non v'è più ragione perché io debba tapparmi il naso e appoggiare il PD.

Intontiti dai gossip e infarciti di cronaca nera non ci rendiamo conto che questo è Regime. Ancora una volta l'Italia lo asseconda e lo vota. E ne pagherà le conseguenze.

Questo sfogo nasce e si alimenta dell'incontro avuto ieri con gli autori de "Il bavaglio", ossia Travaglio Gomez e Corrias con la presenza di Flores d'Arcais, del giornalista Lillo (co-autore) e di Sabina Guzzanti che dal suo blog lancia la proposta di smetterla di schifare il male assoluto e di cominciare a far crollare i piccoli imperi clientelistici e mafiosi intorno a noi. Ad esempio,a cominciare dagli abusi di potere che il nostro capo fa nel non metterci in regola (le info sul suo sito).

viva la rivoluzione.

2008-09-03T11:15:00.002+02:00

liberal'evento

España 1957-2007

Fino al 14 Settembre, a Palermo nei locali di Palazzo Sant’Elia, la mostra, prodotta da Arthemisia, con opere significative realizzate negli ultimi cinquant’anni da artisti spagnoli per l’ampia presenza di artisti selezionati e per la qualità delle opere. España 1957-2007, curata da Demetrio Paparoni, si qualifica come una delle più importanti esposizioni d’arte spagnola realizzate negli ultimi decenni. Muove dal 1957, anno di costituzione del gruppo El Paso, che nel panorama dell’arte del Novecento Spagnolo rappresenta il momento di passaggio dalla modernità alla contemporaneità. Considerando il 1957 il momento di riferimento per un’arte di svolta nel panorama spagnolo, la mostra include opere di Pablo Picasso, Joan Mirò, Salvador Dalì, artisti il cui lavoro, rinnovandosi, ha continuato a rappresentare un punto di riferimento per le generazioni successive. L’arte spagnola moderna e contemporanea si snoda nel solco tracciato a partire dal Seicento dal don Quijote di Cervantes e dalla tradizione Barocca, la mostra non è pertanto suddivisa cronologicamente ma seguendo un percorso espositivo per sezioni: Quijotismo trágico, Misticismo pagano, Existencialismo barrocco, Tenebrismo hispánico, Astrazione simbolico-formale. Una impostazione tematica e narrativa che accosta le opere in modo da sottolineare la continuità di stili e contenuti. Sezioni:

Quijotismo trágico. Nulla più del poema cavalleresco Don Chisciotte di Cervantes esprime la tensione della cultura spagnola verso mete così ambiziose da portare con sé il rischio del fallimento. Nell’arte del Novecento spagnolo il quijotismo, l’ironia amara che sconfina nel comico e finisce per mostrare la tragedia della sconfitta, permane anche in assenza di tessuto narrativo e linguaggio iconico. Il quijotismo tragico è una costante della cultura spagnola al di là delle diverse epoche e che assume di volta in volta soluzioni formali diverse.

Misticismo pagano. L’anelito verso il divino si manifesta nella cultura spagnola in forma mistica, si manifesta cioè come aspirazione dell’individuo a uscire fuori di sé per identificarsi con il divino stesso negando ogni mediazione. Accanto a queste manifestazioni individuali di fuga verso il divino si pongono fenomeni sociali che trovano espressione in una ricca ritualità collettiva. Una ritualità collettiva in cui a prevalere è la natura stessa e tutta la sua carica sensuale.Per altro verso elementi di forte sensualità, com’è noto, sono presenti nelle più elevate espressioni della mistica spagnola, si pensi a San Giovanni della Croce o a Santa Teresa d’Avila.

Existencialismo barrocco. L’esistenzialismo barocco trova espressione nell’horror vacui di cui l’individuo fa esperienza nel momento in cui si confronta con i propri limiti. Sul piano formale si manifesta come un’invasione dello spazio con una sovrabbondanza di elementi che mirano a riempire l’angoscia che il vuoto produce. In particolare nell’arte del dopoguerra spagnolo l’esistenzialismo barocco si manifesta come contrasto tra aspirazioni e limiti di artisti che, animati da una forte tensione socio-politica, fanno esperienza della sconfitta sublimandola in immagini cariche di ironia e rassegnazione. Mentre nella sezione Quijotismo trágico l’attenzione è rivolta al rapporto che l’individuo ha con l’altro, in questa sezione si affronta il rapporto dell’individuo con se stesso.

Tenebrismo hispánico. Riprendendo il nome che è stato dato a uno stile pittorico proprio di un gruppo di artisti del Nord dell’Europa e della Spagna in particolare, questa sezione affronta un aspetto dell’arte spagnola del secondo Novecento e dei nostri giorni: il suo rapporto con il nero e la predilezione per contrasti molto forti basati sul chiaroscuro.

Abstracción simbólico-formal. La realizzazione di opere non descrittive, che non propongono cioè forme riconducibili alla natura, è in Occidente alla base dell’arte astratta del Novecento. Quest’arte trova la sua legittimazione in un procedimento mentale attraverso il quale si sostituisce il riferimento alla natura con segni e forme che sono la trascrizione formale di concetti. Non c’è arte tuttavia che possa sottrarsi al formalismo, che possa cioè escludere radicalmente il riferimento a forme e segni esistenti in natura. Nell’arte spagnola l’astrazione si muove su un doppio binario, da una parte affronta la relazione dell’individuo con il proprio inconscio, sconfinando sovente nel segno surrealista, dall’altra si serve concettualmente (e strumentalmente) delle forme geometriche esistenti in natura. In entrambi i casi l’obiettivo è definire la grammatica di linguaggi autonomi capaci di affrontare in chiave originale il simbolo e la sua manifestazione più o meno controllabile da parte dello stesso autore.

viva España.

2008-09-02T11:26:00.003+02:00

liberalosfogo

odioMariadeFilippi

Fai un profondo respiro, deglutisci le ultime scorie, serra gli occhi per un attimo ancora, metti la mano sulla maniglia e apri. Ora sei fuori, in attesa d'una luce accecante che non arriva: solo la penombra di un pianerottolo, in quel casermone (così tua madre lo chiamava) di periferia. Ma non fa niente, la luce possiamo immaginarcela. E anche i flash delle macchine fotografiche. Prima il destro, poi il sinistro e così via, un passo dopo l'altro fino alla scelta: scale o ascensore? Fosse mai, ovviamente scale. Metti che incontriamo la persona giusta nel posto giusto al momento giusto, che ci vede scendere come dive dalle scale, con la nostra superba andatura. E scale siano.
Esci dal portone, altro respiro, labbra appizzate, sguardo miope (ma aspetta, abbiamo gli occhiali da sole) e collo da struzzo. Spalle simmetriche e falcata disinteressata al mondo. Io ho ben altro a cui pensare: questo dev'essere il messaggio. Io spero solo che voi mi ammiriate: questo dev'essere il nostro credo. Arriviamo dal tabaccaio, compriamo le sigarette e torniamo. Dai, prima che cominci a sudare il cuore e a tremare la fronte. Giusto una breve uscita indolore, perché nella vita possono bastare anche 5 minuti. Sì, dev'essere così.
E' bastato poco, sulla poltrona il pensiero va alla nostra sfilata: bella e sempre più sicura. E ora che siamo a casa non ci resta che invocare i mostri: acchiappa quel telecomando e accendi la scatola. Guardali sorridenti, ammiccanti, bianchi e rosa, luminosi, raggianti, soddisfatti, decisi, sempre d'accordo eppure con opinioni diverse, pieni di rispetto per tutti ma con un insulto a portata di mano, accavallano le gambe e poi le scavallano, s'alzano per fare un balletto e poi posseggono il microfono come una fellatio. Sono lì e non si capisce se sia tu a guardare loro o viceversa. Perché sono gli stessi che sembrano leggere i tuoi pensieri, che addomesticano quei dubbi intrisi di rabbia, d'opposizione che ogni tanto ti vengono in mente. Loro ti dicono che è normale, che tutto fa schifo, che non dovresti guardare troppo la televisione. Meno male che ci sono loro, sennò chissà a cos'avresti pensato.
Sono tempi duri, dicono, il lavoro non c'è, l'Italia è ferma, l'economia non gira. Ma poi qualcuno, nel giro di qualche secondo, manda in onda notizie di statistiche zeppe di dati positivi: viva l'Italia, viva Berlusconi. E' proprio vero che basta crederci per andare avanti, che in un modo o nell'altro ce la faremo. Sì ce la faremo anche noi, non è vero? E ora non farti prendere dal solito spasmo di terrore, rialzati sù, non è bello rimanere in ginocchio davanti alla scatola. E non piangere santoddio, calmati, vedrai che qualcosa cambierà, che qualcuno ti noterà e potrai anche tu godere della bella vita. Sì, mamma te lo prometteva e tu non puoi non crederle. Te lo dice ancora al telefono, quando ti chiama qualche volta. Ma continua a non dirti dove si trova. Dove se n'è andata? Perché lei lì e io qui?
Alza il volume, senti questo pezzo. Dai alzati e balla. Aumenta il volume e balla, muoviti e segui il ritmo. Su con quelle ginocchia e poi le braccia, così, fai una specie di ola e i piedi ora sul tappeto, devono come saltare. Dondola il viso e guarda le tue lacrime come pioggia sul tuo corpo. Così. Bella coreografia!

viva lo spettacolo.

2008-08-31T14:50:00.002+02:00

liberal'arte

Maria Rita Stirpe

Si è avvicinata allo studio della pittura botanica nel 1995 seguendo i corsi presso l'Orto Botanico dell'Università La Sapienza di Roma, spinta dalla passione per il mondo delle piante.
Per alcuni anni ha approfondito lo studio delle tecniche pittoriche, ispirandosi ai grandi del passato, affascinata soprattutto dai ritratti di piante di Jacopo Ligozzi, dalla fedeltà assoluta alla realtà e dalla prepotente cromaticità dei suoi dipinti. Ama dipingere su carta o su pergamena, ad acquerello o gouache, scegliendo ogni volta medium e supporti in funzione della pianta da ritrarre, per poterne rendere fedelmente le caratteristiche morfologiche e cromatiche, cogliere l'essenza stessa della pianta e perpetuarne, nel ritratto, la vita. La passione e la dedizione assoluta al suo lavoro le hanno consentito di conseguire importanti riconoscimenti, partecipando a molte, prestigiose manifestazioni. Tra gli eventi più significativi ricorda: nel Dicembre 2000 The Christmas Flower Show, presso la Royal Horticultural Society di Londra, premiata con la Silver Gilt Medal; nel maggio 2001 Italian Botanical Art Today, presso l’Istituto di Cultura Italiana di Washington, a cura di Lucia Tongiorgi Tomasi ed Alessandro Tosi; nel 2002 Di Fiore in Fiore, percorsi di un’artista, presso l’Accademia dei Georgofili di Firenze, patrocinata dal Ministero dell’Ambiente e dall’Assessorato all’Ambiente del Comune di Firenze, nel 2004 la mostra 11th International Exhibition of Botanical Art & Illustration, presso l’Hunt Institute for Botanical Documentation – Carnegie Mellon University di Pittsburgh, Usa.
Le sue opere sono presenti in molte collezioni pubbliche e private, sia in Italia che all'estero:- "Fritillaria meleagris", presso l' Hunt Institute for Botanical Documentation di Pittsburgh;- "Composizione con Iris" ed "Erithryna crista-galli" presso l’Accademia dei Georgofili di Firenze. Il Giardino Botanico Alpino di Campo Imperatore conserva una serie di sei tavole botaniche, che raffigurano la flora d'alta quota dell' Appennino Centrale.
L'Orto Botanico di Catania in occasione del 150° anno dalla fondazione ha pubblicato un calendario artistico con molte opere realizzate per l'occasione.
Da alcuni anni si dedica con passione ad una intensa attività didattica, in collaborazione con molte università, orti botanici e giardini storici italiani, finalizzata alla riscoperta ed alla divulgazione di una disciplina artistica che vanta in Italia una tradizione antichissima. Nell'Aprile del 2008 parteciperà con la sua opera “Citrus limon Cajetanus” alla mostra “Focus on Nature X, Natural History Illustration Exhibition” che si terrà presso il New York State Museum di Albany, capitale dello stato di New York.

viva la flora.

2008-08-30T20:15:00.002+02:00

liberalaverità
Gesùilcomunista

Mary: Try not to get worried,try not to turn on toproblems that upset you, oh. Don't you know Everything's alright, yes,everything's fine. And we want you to sleepwell tonight. Let the world turn withoutyou tonight. If we try, we'll get by, soforget all about us tonightSleep and I shall soothe you,calm you, and annoint you Myrrh for your hot forehead, oh. Then you'll feelEverything's alright, yes, everything's fine. And it's cool, and the ointment's sweet For the fire in your head and feet. Close your eyes, close your eyes And relax, think of nothing tonight.

Judas: Woman your fine ointment,brand new and expensive Could have been saved for the poor. Why has it been wasted? We could have raised maybe Three hundred silver pieces or more. People who are hungry, people who are starving Matter more than your feet and hair-air-air-air

Jesus: Surely you're not saying we have the resources To save the poor from their lot? There will be poor always,pathetically struggling. Look at the good things you've got. Think while you still have me! Move while you still see me!You'll be lost, and you'll be so lonely when I'm gone. When I'm gone.

Mary: Sleep and I shall soothe you, calm you and annoint you Myrrh for your hot forehead, oh. Then you'll feel Everything's alright, yes, everything's fine. And it's cool and the ointment's sweet For the fire in your head and feet. Close your eyes, close your eyes, and relax,think of nothing tonight. Close your eyes, close your eyes, and relax, Close your eyes, close your eyes, and relax, Close your eyes, close your eyes, and relax, Close your eyes, close your eyes, and relax, Close your eyes, close your eyes, and relax, Close your eyes, close your eyes, and relax, Close your eyes, close your eyes, and relax, Close your eyes, close your eyes, and relax, Close your eyes, close your eyes, and relax, Close your eyes, close your eyes, and relax,Close your eyes, close your eyes, and relax,

viva i pezzi storici.

2008-08-29T11:27:00.004+02:00

liberailsondaggio

io...

Fine del sondaggione di fine estate. Quello che si limitava a dire "io..." e che seduttivamente proponeva quattro verbi. Ragionati dal sottoscritto, qui niente si fa per caso. Dichiaro anche l'intenzione con cui è stato fatto questo sondaggio: Libàrte, luogo anomalo e sensibile, prova a staccarsi ulteriormente dai soliti luoghi, senza dubbio comuni. Ed ai sondaggi sostituisce questi pseudo-psico-sondaggi che fanno tanto casta di intellettualini, tanto provati dal sistema e tanto diversi dagli altri. Per scoprire un giorno che non siamo né meglio né pegio. E neppure speciali.
Comunque, proviamo a capirlo allora questo sondaggio:

53% risponde io sono.
20% io lotto.
13% a pari merito io cerco e io voglio.

Quindi la maggioranza risponde di essere. Tutto sta a capire cosa. Forse il quid sta là: essere è un ottimo espediente per farsi venire una bella crisi quotidiana. Come se non ci fossero abbastanza motivi, quanto ci piace a noi chiederci ogni tanto "ma chi sono, dove sto andando e perché". Banale, retorico eppure non c'è cosa più giusta. A mio modo di vedere.

Poi c'è un secondo posto (soprendente) che lotta. Bello ragazzi, ma anche magari. Ma chi lotta più oggigiorno? O meglio, chi lo fa per una causa che non sia unicamente e d esclusivamente personale? E' proprio il cancro di questi tempi l'immobilità, l'inerzia, il lasciar correre. SIamo o non siamo il Bel Paese? E allora, vedrai che le cose s'aggiusteranno. E invece...

Infine un pari e patta per il volere e il cercare. Apparentemente simili, ma diamo atto al cercare di essere un tantinello più propositivo del volere. Ma già volere, mi sembra un bel passo: la percentuale è bassa perché sono sicuro che i miei lettori si sono fatti lo scrupolo se i capricci valessero il volere. Chi ha votato il volere, ne sono certo, ha ora come ora un sogno.Chi ha votato cercare, ne sono altrettanto sicuro dev'essere una qualche specie di precario...

Detto ciò, vi prego di prendere poco sul serio quanto scritto sopra. E di prendere con spirito degno di un blog il sondaggio che ci accompagnerà a settembre. In linea col precedente, ma con ben altre intenzioni!

viva i verbi.

2008-08-28T12:00:00.003+02:00

liberal'innovazione

questionedicandele

Sembrano delle mani vere dipinte in vari colori, invece sono le stravaganti candele realizzate da Atelier WM, giovane gruppo di artisti con sede a Parigi, fondato nel 2008. Per realizzare la serie sono partiti dal calco di una mano vera.

viva le dita.

2008-08-27T12:56:00.002+02:00

liberal'innovazione

questionedi...

paretiL'acustica dello spazio ha molto a che vedere col risultato di quello che stiamo ascoltando o vedendo in casa. Altera lancia appunto la parete acustica con un disegno moderno, futurista è fabbricata con cavità che una volta accese brillano intensamente unendo all'esperienza sonora, quella visiva.

candele
Con un disegno semplice e attraente, Eva Solo produce queste lampade ad olio con una base in porcellana. Adattabili in motli ambienti della casa.

poltrone

La nuova Cleopatra Classic Heated Lounge Chair, ha un disegno ergonomico e garantisce comodità e calore che emana dalla pietra che è al suo interno (una funzione quasi terapeutica).

lampade

La lampada gigante di Zava è Ociu, con una dimensione che è impossibile passi inosservata ma al contempo, mantiene una linea elegante e delicata. Ociu, nella lingua venciano significa “attenzione” si presenta con un diametro di 185 cm e un'altezza di 90 cm. Prodotta in bianco o nero mentre all'interno si può scegliere tra un rivestimento argentato o dorato.

viva il design.

2008-08-26T11:27:00.003+02:00

liberal'arte

Peter Jansen

Peter Jansen (1956) usa le forme del corpo umano per creare spazi energetici. Recentemente si è focalizzato sugli spazi aperti riproducendo corpi senza peso catturando le sequenze i movimenti, lo spazio e il tempo in un solo frangente. L’artista olandese lavora con Materialise.MGX per realizzare le sue opere costituite da poliammidi.
Alcune sculture sono apparse durante il Fuorisalone di Zona Tortona Milano, dove erano mostrati i molteplici usi della materia plastica prodotta dalla casa.

viva il movimento.

2008-08-24T13:10:00.003+02:00

liberaladomenica

senzatroppepretese

Agosto in dirittura d'arrivo. Ma io odio chi mi moostra immagini di bambini malati e magri per impietosirmi. E odio anche i fili dell'i-pod che si aggrovigliano con l'auricolare del cellulare nello zainetto che comincio a odiare perché devo sempre tirare le sue cordicelle. Prima o poi mi segheranno le dita quelle cordicelle e mi cascheranno le dita in mezzo alla strada. Voglio vedere poi come lo posso spiegare a chi mi vedrà senza dita a cercare di raccogliere le dita. Ma senza dita, come si fa?
Forse la soluzione di tutti questi problemi, tutti questi poi, delle varie ed eventuali diciamo, è proprio in un pò di sano pop porno.

viva il porno.

2008-08-23T17:10:00.002+02:00

liberal'auto

Gina BMW

Avvenieristica e assolutamente fuori dagli standard. Design mutevole, carrozzeria in tessuto e tante altre stupefacenti novità.
Quello che stupisce e lascia increduli è la sua carrozzeria. E’ infatti realizzata con un nuovo materiale superperformante, un nuovissimo tessuto con incredibili caratteristiche elastiche e lucenti. L’unica auto al mondo capace di cambiare forma. Tutto questo grazie alla “pelle” che ricopre lo scheletro della nuova BMW (realizzato in fibra di carbonio e metallo). Un’auto concepita come un “abito” pronto a cambiar faccia a seconda delle esigenze dei proprietari. La struttura dell’auto, infatti, grazie a un sistema elettro-idraulico, può essere modificata, in tempo reale, quasi come nel film Trasformer! A seconda della velocità, ad esempio, la coda di GINA cambia aspetto; quando si accendono, i fari sembrano comparire dal nulla, il motore e le porte si aprono in un modo mai visto, con effetti sorprendenti. Anche i sedili cambiano forma modificando, di volta in volta, le caratteristiche ergonomiche.
Una spider visionaria, che sembra avere un’anima. GINA (il nome deriva dall’acronimo Geometry and Function in “N” Adaptations) è un invito, rivolto ai designer e a chi desidera una BMW, a sbizzarrirsi con inedite forme e materiali.

viva le avanguardie.

2008-08-22T11:28:00.002+02:00

liberalamusica

Cher (& Sonny)

Cherylin Sarkisian LaPierre (El Centro, 1946), è una cantautrice, attrice, produttrice e presentatrice televisiva americana.
Nella sua lunga carriera ha vinto un Oscar come miglior attrice, un Grammy, un Emmy e 3 Golden Globe, oltre a molti altri premi internazionali.
È entrata a far parte del mondo della musica negli anni sessanta, esordendo in coppia con il marito Sonny Bono, con cui formava il celeberrimo duo Sonny & Cher. Successivamente Cher ha trovato la sua strada come cantante solista, come presentatrice televisiva negli anni settanta e come attrice negli anni ottanta.
Il suo più grande successo, "Believe" (1998) è il terzo singolo più venduto da una cantante donna e la canzone dance più venduta al mondo, avendo venduto oltre 10 milioni di copie. Cher è presente nel Guinness dei primati essendo l'unica cantante ad avere una canzone nelle Top Ten mondiali in 4 decadi differenti, negli anni sessanta, settanta, ottanta e novanta; oltre ad essere la cantante più vecchia ad aver raggiunto la numero uno. Nel 2002 la rivista Rolling Stone stimò il suo patrimonio in oltre 600 milioni di dollari.
Con oltre 40 anni di carriera e circa 275 milioni di dischi venduti nel mondo, Cher è una dei più venduti, famosi e ricchi artisti della storia; oltre ad essere considerata un'icona nel mondo dello spettacolo.
In questo periodo Cher è impegnata col suo show "Cher at the Colosseum" al Caesars Palace di Las Vegas.

Cher incontra per la prima volta Salvatore Phillip Bono, per gli amici Sonny, all'età di 16 anni in un bar di Los Angeles nel novembre del 1962. Un giorno Cherilyn segue Sonny presso i Gold Star Studios e, durante una registrazione, viene messa al posto di una corista che era assente. La sua voce attira l'attenzione di Spector: durante il 1964, Cher viene reclutata come corista, partecipando ad alcuni dei più grandi successi di quel periodo: Be My Baby del gruppo The Ronettes, Da Doo Ron Ron dei Crystals e You'Ve Lost That Lovin' Feelin' del gruppo Righteous Brothers. Sonny & Cher realizzano il loro primo album nell'agosto del 1965, raccogliendo un enorme successo e diventando icone pop per eccellenza. La Gran Bretagna è il primo stato ad accogliere questo fenomeno musicale con esultanza: il primo singolo, I Got You Babe entra al numero 1Uno dei più grandi successi di quel periodo resta comunque "Bang Bang (My Baby Shot Me Down)" (#2, 1966), che vende più di tre milioni di copie e che viene seguito da cover di un numero svariato di artisti, anche italiani.Il loro modo di comunicare, quel loro mix di humor e ironia, quel gioco di ruoli, in cui Cher è la "donna dal sopracciglio alzato" e dalla lingua lunga e Sonny il marito soggiogato dalla moglie, attira sera dopo sera un numero sempre maggiore di spettatori. Ma è Cher a far da padrona sulla scena musicale durante il 1971 e il 1972: sotto la direzione artistica di Snuff Garrett, prodotture discografico, la cantante, a 25 anni, registra "Gypsys, tramps & thieves", brano che tutt'ora è considerato un'icona del popil 1987 l'anno della sua vittoria decisiva nel mondo dello spettacolo.
Recita in 3 film differenti: Le streghe di Eastwick, con Jack Nicholson, Susan Sarandon e Michelle Pfeiffer, diretto da Miller, Suspect - Presunto colpevole, con Dennis Quaid e infine Stregata dalla luna con Nicholas Cage e Olympia Dukakis, per la regia di Norman Jewison. Finalmente, dopo essere stata acclamata da pubblico e critica, nel 1988 Cher, radiosa e sorridente, sale sul palco per ricevere nelle sue mani "il suo uomo", la statuetta dell'Oscar come miglior attrice protagonista. Già negli anni ottanta, Cher, stanca del suo naso e dei denti storti, si sottopone ad alcuni interventi, presentandosi in una nuova veste. Durante gli anni novanta, i pettegolezzi sulle sue presunte operazioni diventano sempre più insistenti: i maligni vociferano che Cher si sia rifatta, oltre al seno e il naso, anche l'addome, i glutei, le guance e si sia fatta asportare due costole per rendere sottile il suo girovita. Nel gennaio 1998, Sonny Bono muore in un incidente sciistico sulle montagne di Aspen. Cher, anche se è separata da Sonny da anni, viene chiamata ad affrontare uno dei momenti più commoventi della sua vita personale: leggere l'elogio funebre per l'ex-marito, collega, amico. A lui dedica il successivo lavoro in studio, che diventerà anche il suo maggiore successo internazionale, Believe.

Nel 2000 Cher diventa una bambola Mattel: viene presentata nuovamente la "Barbie Cher" (dopo il primo prototipo degli anni settanta) che fa subito furore vendendo moltissimo. Complice del successo di questa creazione è l'apparizione della cantante nel famoso telefilm Will & Grace, un vero fenomeno culturale americano.

the beat goes on

i got you babe

bang bang

gypsies, tramps and thieves

believe

viva il magnetismo.

2008-08-21T13:12:00.002+02:00

liberalamusica

Dusty Springfield

cantante britannica paragonabile al fenomeno Mina in Italia, o Dalida ebbe in Francia. Nel 1960 forma il trio the Springfields insieme a Dion O'Brien (suo fratello maggiore, che prenderà il nome di Tom Springfield) e a Reshad (Tim) Feild, ispirandosi al folk americano.
Come solista, il suo primo 45 giri è I Only Want to Be with You, che rimane in classifica 18 settimane in Europa e oltreoceano.
A questo singolo fa subito seguito A Girl Called Dusty, un album che sorprende per la sua coraggiosa scelta di autori non ancora molto noti, ma che in seguito caratterizzeranno la scena pop internazionale: Burt Bacharach, Randy Newman e Carole King. Il suo successo la porta ovunque: in autunno viene in Italia a lanciare la versione italiana di Wishin' and Hopin', brano di Burt Bacharach che verrà intitolato Stupido, stupido. Nel 1965 Dusty viene invitata a Sanremo dove gareggia al Festival con Di fronte all'amore e Tu che ne sai?. Entrambi i brani vengono eliminati e Dusty si trova esclusa dalla finale ma, tornata in Inghilterra, decide di prendere la canzone a suo parere più bella del festival e di interpretarla a suo modo. Insoddisfatta dal risultato della registrazione, con il perfezionismo che tutti le hanno sempre riconosciuto chiede di montare il microfono nella tromba delle scale dell'edificio in cui si trova lo studio e, cantando dal fondo della cantina, ottiene finalmente l'effetto di eco che desiderava. Io che non vivo senza te, scritta da Pino Donaggio, viene adattata in inglese da Vicki Wickham, sua amica e futura manager, e da Simon Napier-Bell, e diventa You Don't Have to Say You Love Me. Il brano raggiunge il numero 1 nelle classifiche di molti paesi europei e sfonda anche negli Stati Uniti.
Nello stesso anno a Dusty viene offerta la conduzione di uno special televisivo in cui ha l'opportunità di dar voce in Gran Bretagna alle star emergenti del rhythm and blues. Lo show, intitolato The Sound Of Motown, ospita personaggi del calibro di Stevie Wonder, Marvin Gaye, The Miracles, The Supremes e The Temptations.
Carole King che scrive per lei Some of Your Lovin' e Goin' Back, Ben Weisman che le confeziona All I See Is You, una ballata in puro stile "sanremese", con il proposito di bissare il successo del brano di Donaggio, e Burt Bacharach che le affida The Look of Love, brano che verrà inserito nella celebre pellicola James Bond 007 - Casino Royale.
Dusty in Memphis, venderà molto meno degli album precedenti, ma ancor oggi è riconosciuto dai critici come il miglior album della cantante, che in questo disco mette alla prova tutte le sue capacità vocali. Un 45 giri estratto dall'album, Son of a Preacher Man, riesce comunque ad entrare in classifica sia in Gran Bretagna che negli Stati Uniti, e verrà molti anni più tardi inserito nella colonna sonora del celebre Pulp Fiction.
Negli anni '70 il gossip sulla vita privata di Dusty Springfield, finora tenuta gelosamente nascosta, irrompe prepotentemente sulle pagine dei giornali. Il fatto che a 31 anni non fosse sposata e non avesse avuto alcuna relazione con un uomo aveva alimentato molti pettegolezzi, ma all'epoca intervistare un personaggio pubblico sulla propria vita sessuale era impensabile. Eppure Ray Connolly, giornalista dell'Evening Standard, riesce a farsi rilasciare una dichiarazione nella quale la cantante ammette di aver imparato ad accettare, con il tempo, la propria diversità.
Il 1978 è l'anno del suo ritorno sulle scene, con It Begins Again, e poi nel 1987 grazie ai Pet Shop Boys, che la vogliono come partner nel brano What Have I Done to Deserve This?. Il brano, corredato di videoclip, irrompe al numero 2 delle classifiche sia statunitensi che britanniche, e fa da preludio all'album Reputation, sempre prodotto dai Pet Shop Boys, che due anni dopo si rivelerà ugualmente un successo.
Dopo una manciata di singoli, che vengono utilizzati come sigle televisive o colonne sonore di spot pubblicitari, nel 1988 esce la sua raccolta ufficiale The Silver Collection, che celebra i suoi 25 anni di carriera come cantante solista. Nel frattempo Dusty decide di lasciare la sua residenza in America e di tornare a Londra dove muore nel 1999.

i just don't know what to do with myself

wishing and hoping

the look of love

son of a preacher man

viva le grandi personalità.

2008-08-20T17:09:00.004+02:00

liberalamusica
Dionne Warwick

Marie Dionne Warrick è una cantante statunitense, nota soprattutto per le sue interpretazioni delle canzoni di Hal David e Burt Bacharach. Iniziò cantando il gospel con la sua famiglia, iniziando la carriera come professionista dopo aver conseguito la laurea all'Università di Hartford.
Il suo primo singolo, Don't make me over, uscì nel 1963; il suo cognome fu riportato in maniera erronea sulla copertina del disco, tanto che da quel momento la parola errata divenne il suo cognome d'arte, 'Warwick'. Il pezzo ebbe un discreto successo, ben presto seguito da 'Anyone who had a heart', nel 1964, ma fu la celebre 'Walk on by' a consacrare la cantante al successo mondiale. Numerosi suoi pezzi, come 'Message to Michael' ebbero un notevole successo in Gran Bretagna nella seconda metà degli anni '60.
È del 1967 il disco Here where there is love che divenne uno strepitoso successo, in particolare grazie al singolo I Say a little prayer, rispolverato per il film Il matrimonio del mio migliore amico.
Tra i più grandi successi ci sono What the world needs now is love, Alfie, I say a little prayer, I'll never fall in love again e That's what friends are for.

Nel 1982 collabora con Barry Gibb dei Bee Gees, ed esce il felice duetto di Heartbreaker. Nel 1985 partecipa alla registrazione di We are the world. Nel 1986 è alla guida di un progetto benefico per la Fondazione Americana per la Ricerca sull'AIDS e canta That's what friends are for insieme a Gladys Knight, Elton John e Stevie Wonder, vincendo il suo quinto Grammy Award (i precedenti le erano stati assegnati alla fine degli anni '60).
In Italia ha partecipato a due edizioni del Festival di Sanremo, nel 1967 con Dedicato all'amore e nel 1968 con La voce del silenzio.

what the world needs now

do you know the way to san jose

don't make me over

i say a little prayer

walk on by

viva i capolavori.

2008-08-19T20:02:00.003+02:00

liberalamusica
Josephine Baker

Nata a St. Louis nel 1906 e morta a Parigi nel 1975, è stata una cantante e danzatrice statunitense, naturalizzata francese. Coperta solo di un gonnellino di banane, scatenata nel più pazzo charleston, è una delle immagini tipiche degli anni venti.
Iniziò la carriera di ballerina nei piccoli teatri di St. Louis. A sedici anni debuttò a Broadway in una grandiosa rivista, replicata per due anni. Alla fine del 1925 venne in Europa con la Black Review. Al teatro degli Champs-Elysées la sua bellezza di donna e la sua bravura di artista mandarono Parigi in delirio. Nei suoi spettacoli e nelle sue canzoni (alcune delle quali come we have no bananas e la canne à sucre sono molto note) unì il gusto piccante e ricercato del varietà francese al folklore della musica africana. La passionalità delle sue interpretazioni ed il sincero interesse per l'arte popolare le impedirono di cadere nell'esotismo di maniera, a cui sfuggi assai meno quando portò il personaggio della venere nera sullo schermo.
Fra i riconoscimenti che la patria di adozione le ha tributati va ricordata la Legion d'Onore.

Cha cha cha

Haiti

le casinò de Paris

le movenze che l'hanno resa un mito

Juana la Cubana (un tributo imperdibile!)

viva le banane.

2008-08-18T08:02:00.002+02:00

liberailritorno

gallipoliroma

Ritorno mattutino. Mattiniero. Di mattina insomma. Anzi all'alba, dopo un viaggio quasi folle, di prova di resistenza per i miei nervi. Come se la settimana passata non lo avesse fatto già abbastanza. Qualcuno sa spiegarmi perché nella tratta che va dal Salento a Roma e viceversa io becco sempre un subumano maialoide con un megafono trapiantato in gola che fa risuonare il suo roboante russare in modo da non farmi chiudere occhio?

Viaggio a parte, settimana intensa. E vacanza nuova per me. Intendo nel genere, forse un pò adolescenziale, trascorsa tra fiumi d'alcol (andiamo su una media di 3 mohjto al giorno) e discoteche. Non so, come al solito non è tanto il contenuto ad incuriosrmi, quanto la forma. Si può anche fare mondanità, ma con che spirito? Si può anche fare il tour de force mare-alcol-musica, ma con che voglia? Io, come al solito, prediligo la situazione al luogo. C'è una strana alchimia che si crea tra persone che si divertono che si oppone alla speranza che sia il luogo a "diveritirti". Questo spirito non l'ho mai capito/accettato/gradito. Questo spirito oltretutto compromette molte cose.

Ad esempio, ti rende cieco di fronte a ciò che hai e che stai avendo. Ti rende scontroso e di malumore perché tutto sembra essere uno scarto da ciò che vorresti. Insomma, vivere al condizionale è parecchio frustrante. E lo è anche per chi ti circonda.

La misura della maturità, dopo questa settimana ne sono oltremodo convinto, la da il saper stare insieme agli altri. Forse non conoscerai davvero mai nessuno fintanto che non lo metterai in mezzo alla gente. Fintanto che non vedrai come sa gestire una convivenza o semplicemente la quotidianità o anche solo una "situazione".

Non vuol essere un trattato di psicologia, ma una puntualizzazione della forma ri-scoperta in questa vacanza. E' così triste doversi divertire. Grazie a Dio, invece, io mi sono divertito.

viva le maniche da rimboccare.

2008-08-08T20:52:00.004+02:00

liberalavacanza

settimanadipausa

Io che stacco per una settimana, che parto e che ogni volta è una nuova sfida. Con me stesso. Con le mie paure e con i miei fantasmi. Ed una spinta a farcela, a godere. Perché godere è una cosa difficile, bisogna stare in pace con se stessi. E per me, questa cosa, rimane un traguardo. No, non c'è niente di pesante o di assurdo, è semplicemente la mia vita.
Io che ho finito gli esami quest'anno, che li ho finiti alla grande e che mi sono preso le mie soddisfazioni. Che faccio la Tesi e la faccio complessa. E ne sono fiero.
Io che in un anno ho corazzato le spalle di muscoli, per sorreggere e sostenere, ma anche per combattere e lottare e infine accogliere e abbracciare. Per proteggere ed essere protetto. Perché un uomo ha bisogno anche di avere paura e di piangere.

Io che ho testimoniato, ho sorriso sornione e poi le sono stato accanto. Io che l'abbraccio e provo a farla addormentare, ma è mia sorella la sua pace. E la osservo, la ammiro e le asciugo qualche lacrima.

Io che ho un 66 sempre accanto, maturo e stabile come avrei voluto essere io per lui. E invece, un pò codardo e un pò egocentrico, ma lo giuro, sempre col cuore tra di loro. io che a Barcellona, sognavo sempre mia sorella e mio fratello.
Io che ogni tanto mi ci butto in qualche nuova esperienza anche se l'ultima ha capitolato con un'ingiustizia inaudita: il video da noi girato è stato eliminato dal concorso perché tacciato di filofascismo. Io che questa faccenda non la faccio finire qui.

Io che le dico pazza e che non la assecondo, e vorrei dirmi di conoscere tutto di lei e invece mi devo accontentare di conoscerla. Io che questo 08 08 08 vorrei fosse davvero l'infinito. Io che a Capodanno l'ho sperato.
Io che ballo, che studio, che rido ma anche che mi temo e che ho bisogno di silenzio per ritrovarmi. Io che cerco lavoro, che voglio l'indipendenza e che sogno Parigi. Io che into the wild non ci voglio andare da solo.

viva la speranza.

2008-08-07T19:05:00.002+02:00

liberal'architetto

Frank O Gehry

Frank Owen Gehry nasce in Canada nel 1929. Oggi ha appena ultimato l’hotel La Rioja a Elcengio, in Spagna (costato 88 milioni di dollari) ed è uscito il film documentario Frank Gehry - Creatore di sogni (“Sketches of Frank Gehry”) di Sydney Pollack, con 83 minuti interamente dedicati al celebre architetto e alle sue opere. A Santa Monica tra 1977 e 1979 costruisce la sua casa circondando l’edificio pre-esistente con un nuova struttura, creata attraverso materiali poveri e di recupero. Senza distruggere la vecchia struttura, vengono creati nuovi spazi e nuove aperture, che sembrano quasi sculture policromatiche, che si inclinano seguendo i raggi solari.
Il complesso della Loyola law school, costruito tra 1981 e 1984, la cui progettazione, però, era stata eseguita nel 1978 è composto da più edifici affiancati che ne denunciano la fasi di costruzione e la diversa natura. Il primo edificio si affianca ad un parcheggio pluripiano, a cui seguono poi altri complessi dedicati alla didattica, gli uffici, la cappella corredata anche da un campanile, la Donovan Hall, la Merrifield Hall e la Casassa Building, destinata alla biblioteca.
Il Guggenheim di Bilbao è il progetto che ha portato Frank Gehry alla popolarità grazie alle sue forme nuove e allo splendore dato dal rivestimento in titanio, che è riuscito a conquistare l'apprezzamento di un vasto pubblico ed a costituire una principale attrattiva per il turismo internazionale nella provincia basca. La progettazione e la realizzazione di una struttura così complessa è stata resa possibile grazie all'utilizzo dei più moderni software di progettazione e di calcolo (il programma usato è lo stesso che viene adoperato in Francia per la progettazione degli aerei militari). Oltre ad aver radicalmente cambiato il volto di un'anonima città basca, il Museo Guggenheim è indiscutibilmente una pietra miliare dell'architettura contemporanea e del nuovo modo di concepire il rapporto tra contenitore e contenuto delle istituzioni museali, diventando anch’esso opera d’arte.
Il Walt Disney Concert Hall è situato a Los Angeles, su Bunker Hill ed è stato inaugurato nell’Ottobre 2003. Esso è un edificio dedicato alla Los Angeles Philarmonic. L’edificio è collocato all’interno della maglia regolare di Los Angeles, ma subito la rompe ponendo gli ingressi sui quattro angoli, invece che sugli assi principali del lotto; ogni ingresso è differenziato dall’altro sia per forma che per funzione: a Nord Ovest la Sala Soci Fondatori, a Sud Est la Cascada, a Sud Ovest il giardino musicisti, a Nord Est l’ingresso principale foyer. Da qui traspare la poetica architettonica di Gehry che affianca elementi compiuti dell’edificio progettati separatamente e pensati per poter vivere da soli sia funzionalmente che staticamente.

Vila Olimpica - Barcellona

Guggheneim - Bilbao

Disney Hall - Los Angeles

DG Bank - Berlino

Dancing house - Praga

viva le linee.

2008-08-06T18:12:00.002+02:00

liberal'architetto

Zaha Hadid

In arabo زها حديد è un architetto iracheno, seguace del decostruttivismo. Ha studiato matematica alla American University di Beirut prima di trasferirsi a Londra per studiare alla Architectural Association. Dopo aver conseguito il titolo ha lavorato con il suo ex maestro, l'architetto olandese Rem Koolhaas all'Office for Metropolitan Architecture diventando socia nel 1977. Nel 1980 stabilisce il suo studio a Londra. Durante gli anni ottanta insegna alla Architectural Association.
Vincitrice di molte competizioni internazionali, diversi dei suoi vincenti progetti non furono mai costruiti, come ad esempio il Peak Club in Hong Kong e il Cardiff Bay Opera House in Galles. Nel 2002 Hadid vinse la competizione internazionale per disegnare il masterplan dei Singapore one-north . Nel 2005, il suo progetto vinse la competizione per il nuovo Casinò della citta di Basilea in Svizzera. Nel 2004 Hadid è divenuta la prima donna a vincere il Premio Pritzker. Nell'annunciare la scelta della giuria, Thomas J. Pritzker, presidente della Hyatt Foundation, ha detto: "ci gratifica, come promotori del premio, vedere che per la prima volta la nostra giuria, indipendente, premia una donna. Anche se il complesso dei suoi lavori è relativamente piccolo, ha raggiunto grandi consensi e la sua energia e le sue idee mostrano grandi promesse per il futuro." Il presidente della giuria del Pritzker Prize, Lord Rothschild, ha commentato: "Sia nel suo lavoro teorico ed accademico sia nel lavoro pratico di architetto, Zaha Hadid si è impegnata verso il modernismo. Sempre creativa, Hadid si è allontanata dalle tipologie esistenti, dall'alta tecnologia ed ha cambiato la geometria delle costruzioni."Continuando, Lord Rothschild ha detto: "Durante il suo quarto anno all'Architectural Association a Londra, come allieva di Rem Koolhaas (egli stesso un recente vincitore del premio Pritzker) il suo progetto di laurea fu denominato Malevich's Tectonik: ha posto un hotel sull'Hungerford Bridge sul fiume Tamigi, progettandolo con forme suprematiste per andare incontro alle richieste del programma e del luogo."

Expocenter Exhibition Halls and Residential Tower

Acquatic center - Londra

progetto per Londra

dancing towers - Dubai

viva le forme.

2008-08-05T13:14:00.002+02:00

liberal'architetto

Daniel Libeskind

Architetto statunitense, nato in Polonia, tra i principali esponenti del decostruttivismo nell'architettura americana. La laurea arriva nel 1970. Decide di approfondire ancora di più gli studi, grazie alla spinta di Peter Eisenman e si trasferisce a Londra per potersi specializzare, presso la Essex University, in Storia e Teoria dell'Archittetura. Dopo quest'ultimo corso di studi, ormai diventato un uomo dal elevato spessore intellettuale e artistico, inizia ad insegnare. A Londra ( all'Architectural Association), negli Stati Uniti ma anche in varie università europee e in Giappone. Dal 1978 ricopre la carica di direttore del Dipartimento di Archittettura alla Cranbrook Academy of Art and Design, la celebre scuola di Saarinen. Qui progetta per la prima volta un edificio inclinato che sovverte le regole geometriche in occasione di un concorso per la riqualificazione di un'area abbandonata del Potsdamer Guterbahnhof a Berlino.

Si guadagna, grazie ai suoi progetti, un posto alla mostra del 1988 “Deconstructivist Architecture” al “Museum of Modern Art” di New York assieme ad altri 6 architetti importantissimi per il movimento della architettura decostruttivista. La mostra lo rende noto a un più vasto pubblico. Vince, due anni dopo, il concorso per l'ampliamento del Museo di Berlino, e si trasferisce nella capitale tedesca. Apre il suo nuovo studio inaugura una straordinaria serie di progetti: il padiglione di Osaka, sempre nel 1990, il piano urbanistico di Groningen, il piano per l'Alexander Platz a Berlino. Nel 1997, un anno primo della fine dei lavori al Museo Ebraico, gli viene dedicata una mostra personale al NAI di Rotterdam e vince anche il Berlin Cultural Prize. Con l'inaugurazione del Museo Ebraico diventa uno dei maggiori e importanti architetti dei nostri tempi e per lui inizia un'altra grande serie di eccezionali progetti: l'Imperial War Museum North, a Trafford, in Inghilterra; Lo Studio Weill, Port d'Andratx, a Mallorca; nel 2002 il progetto del Creative Media Centre, ad Hong Kong e del Militärhistorisches Museum, di Dresda, nel 2004 la London University Post Graduate Centre a Londra. Importassimo progetto, nel 2004, e la riprogettazione di Ground Zero, dopo la caduta delle torri gemelle. Un progetto importantissimo e fondamentale, la quale costruzione dovrebbe concludersi intorno al 2011. Libeskind ha progettato un quartiere ricco di particolari. Svetta in mezzo a tutto la Freedom Tower, il grattacielo alto 1776 piedi (numero simbolico che ricorda l'anno della dichiarazione d'indipendenza americana). Intanto, in questi ultimi anni altri numerosi progetti, come il CityLife di Milano, la riqualificazione del vecchio quartiere fieristico. Il progetto è inoltre seguito da Zaha Hadid e Arata Isozaki.

Imperial War Museum - Manchester Museo Ebraico - Berlino

Freedom Towers - New York

MAC - Museo Arte Contemporanea di Milano

City Life - Expo Milano 2015

viva le storture,

2008-08-04T12:52:00.002+02:00

liberal'agosto

senzatroppepretese

Post leggero, come dev'essere in estate. Primo formale post di Agosto, mese di paryenze, di svago, di distacchi (dalle routine perlomeno). Io l'estate la amo e la odio. La amo perché amo stare in calzoncini corti, maglietta e sandali (no, non sò San Francesco). Andare al mare e uscire la sera senza battere i denti. La odio per tutto quello che ci ruota intorno. Ma infondo, è segno d'immaturitò infastidirsi per il dovuto divertimento: ognuno fa quel che può e ognuno fa quel che gli pare.
E poi, quanto è bello essere in estate e ripensare all'inverno ed essere in inverno e agognare l'estate! Siamo così, inconfondibilmente confusi tra il presente, il passato e il futuro. Sempiternamente in conflitto tra la speranza e la paura, sempre miopi di fronte alla realtà. Questo ci rende speciali, meno bestie di come ci ha voluti il buon Dio quando c'ha dato in mano il Regno degli Animali.
Un agosto inziato all'insegna della confusione. E che ognuno le dia il senso che vuole.
Io, intanto, vi propongo la mia top 2 del momento (Electric Feel ha un video strepitoso ma embedded, quindi andatevelo a beccare su youtube o in rotazione sui canali musicali):

Hercules and Love Affair - Blind

Mgmt - Electric Feel

viva la leggerezza.

2008-07-31T19:33:00.002+02:00

liberalamusica

Yma Sumac

Negli anni '50 fu una delle più note esponenti della musica esotica; è ricordata principalmente per la sua voce che, all'epoca, copriva un'estensione di quattro o cinque ottave (i pareri sono discordi). Non senza qualche controversia, è a lei che viene attribuito il merito di aver cantato la nota più acuta mai registrata da una voce femminile (superando Erna Sack) nella canzone "Chuncho". L'anno e il luogo della sua nascita variano a seconda delle diverse biografie pubblicate; il primo è compreso tra il 1921 ed il 1929. Secondo alcune fonti non sarebbe nata a Ichocá, bensì a Lima o nella periferia della capitale, tuttavia la sua famiglia possedeva una fattoria a Ichocá in cui passò la maggior parte della sua infanzia. Sul suo personaggio, forse per crearne il mito, circolarono molte voci. Di lei si disse, ad esempio, che fosse una principessa inca diretta discendente dell'imperatore Atahualpa e anche che non fosse peruviana, bensì newyorchese o canadese col vero nome di Amy Camus, di cui Yma Sumac è la lettura a rovescio. Si esibì per la prima volta alla radio nel 1942 e sposò il compositore e direttore d'orchestra Moisés Vivanco il 6 giugno dello stesso anno. Col nome di Imma Sumack incise nel 1943 in Argentina una raccolta di 18 brani della tradizione popolare peruviana accompagnata dall'orchestra di Vivanco, la Compañía Peruana de Arte, un ensemble di 46 musicisti e danzatori indios. Nel 1946 Yma Sumac e Vivanco si trasferiscono a New York, dove si esibiscono come Inca Taky Trio, con Moisés Vivanco alla chitarra, Cholita Rivero (cugina della Sumac) voce contralto e ballo e Yma Sumac soprano. Il trio siglerà un contratto con la Capitol Records nel 1950.Negli anni successivi incise una serie di dischi in cui venivano riarrangiati nello stile di Hollywood una serie di brani della tradizione popolare sudamericana e inca. La sua voce straordinaria e la presenza scenica ne decretarono il successo presso il pubblico statunitense. All'apice della popolarità comparve in film a soggetto esotico - Il segreto degli inca (1954), Omar Khayyam (1957). Divorziò nel 1957 dal marito per poi sposarlo nuovamente due anni dopo e divorziare di nuovo nel 1965. Nel 1961, apparentemente per far fronte a difficoltà finanziarie, Yma Sumac e l'Inca Taky Trio iniziarono un tour mondiale durato cinque anni che li portò in Unione Sovietica, Europa, Asia e America Latina. Del loro concerto di Bucarest, in Romania, si incise l'ablum "Recital", unico suo disco dal vivo mai prodotto. Dopo tale tour le sue apparizioni divennero più sporadiche. Nel 1971 pubblica un disco di musica rock, Miracles, e torna a vivere in Perù. Sul finire degli anni '70 torna negli Stati Uniti dove continua a esibirsi in varie città. Nel 1987 incide anche una canzone per l'album Stay Awake, una collezione di rifacimenti di canzoni dei film di Walt Disney. Tra le sue ultime apparizioni, alcuni concerti nell'estate del 1996 e del 1997, all'interno del Montreal International Jazz Festival. Attualmente vive a Los Angeles.

Chuncho

Pachamama

Tumpa

viva la voce.

2008-07-31T12:27:00.002+02:00

liberailsondaggio

quest'estate

Chiuso il sondaggione sulla vostra estate. Con questo (sorprendenti) risultati: per il 45% niente vacanza,a seguire col 36% vacanza con gli amici e poi un pari e patta per vacanza sia con amici che con partner e una vacanza in altro periodo dell'anno.

Uhm. Dunque, analizziamo un po' questi dati: il blog è frequentato preoccupanetmente da single o l'Italia sè svuotata di coppie? O ancora: è vero quello che si dice che è meglio fare le vacanze separati? E se così fosse: perché?

Io dico di no, a meno che uno non ci si trovi "costretto". Ma dico pure che secondo me c'è d aintendersi su cosa sia la vacanza: se la maggiornza non ci va, possibile che sti poveri cristi non trovino una settimana per rilassarsi in qualche pizzo del mondo (fosse anche Torvajanica)?

Io, dal canto mio le mie vacanze saranno come da un pò di tempo a questa parte, a tozzi e bocconi. Quest'anno più e meno che mai, visti i miei impegni con la Tesi finale.

Che dire quindi...buone vacanze ai miei lettori. E ovviamente nuovo sondaggione. Cazzone ma enigmatico e...alla vostra destra.

viva i fatti vostri.

2008-07-30T11:17:00.001+02:00

liberailprogetto

Fascist Tourism - Mussolini's Hometown

Il vostro caro ha finalmente il video del suo reportage a Predappio su youtube. Ed eccolo, sebbene in alcuni punti tagliato (quello integrale da: http://www.checkinarchitecture.com/mission/205)

e allego pure il nostro report:

Arriviamo a Predappio in una calda giornata di Luglio un pò intimoriti e un pò curiosi di conoscere una città tanto "discussa". L'architettura razionalista del ventennio fascista domina il paesaggio che, inondato di luce, pare accoglierci in uno spazio metafisico. E' solo quando parcheggiamo la Mini ed entriamo nel negozio Predappio Tricolore del sig.Pompignoli, con cui abbiamo fissato un'intervista, che veniamo catapultati in una realtà paradossalmente nuova e vecchia, che ci appartiene ma che sentiamo distante. Il Fascismo, il Duce e tutto ciò che la Storia ci ha consegnato come materiale grondante di sangue, qui diviene un tripudio di tricolori, mascelloni, aquile, motti, manganelli e passamontagna. E il nostro incontro prosegue col Presidente dell'Unione combattenti della Repubblica di Salò verso la cripta della famiglia Mussolini nel cimitero della città. Qui, tra saluti romani e commozione, ci vengono narrate le vicissitudini di una famiglia che innegabilmente ha segnato la storia del nostro Paese. Ed è con lo spirito di chi non ha interesse a prendere parte con o contro questi onori, bensì di chi ha bisogno di capire come conviva la Predappio nera con la Predappio rossa (quella della Resistenza e della sua Amministrazione comunale) che proseguiamo il nostro viaggio. Ne emerge il profilo d'una città contraddittoria che però ha fatto della sua anima una svolta commerciale, d'attrattiva turistica per i cosiddetti nostalgici e i cosiddetti curiosi. E così, armati sì, ma di telecamera e macchina fotografica, concludiamo il nostro giro con la casa natale di Mussolini e la chiesetta della Madonna del Fascio, certi d'aver esperito qualcosa di forte che ha bisogno d'essere (ancora) metabolizzato.

viva la storia.

2008-07-29T11:45:00.004+02:00

liberalamusica

Montserrat Caballé

Maria de Montserrat Viviana Concepción Caballé i Folc, nata a Barcellona nel 1933, è la più famosa cantante lirica spagnola. La sua voce di soprano è universalmente ammirata per la purezza, il controllo dell'emissione (sono celebri i suoi filati), la potenza e la duttilità.
Dopo aver studiato 12 anni presso il Conservatorio di Musica del Liceo di Barcellona, nel 1956 entrò nella compagnia dell'Opera di Basilea, dove debuttò nel 1957 come Mimí ne La Bohème, in seguito interpretando numerose opere, tra cui Tosca di Giacomo Puccini, Aida di Giuseppe Verdi, Arabella e Salome di Strauss. Specializzatasi in seguito nel repertorio italiano del primo Ottocento, nel 1962 fece ritorno a Barcellona, debuttando al Teatro del Liceu.
La fortuna internazionale della Caballé iniziò nel 1965, quando sostituì l'indisposta Marilyn Horne, in una versione di Lucrezia Borgia di Gaetano Donizetti in forma di concerto alla Carnegie Hall di New York. La sua interpretazione destò sensazione. Lo stesso anno, debuttò al Festival di Glyndebourne e al Metropolitan con il personaggio di Margherita nel Faust di Gounod. Il 2 agosto 1969 debuttò all'Arena di Verona nel Don Carlos di Verdi e il 24 febbraio 1970 al Teatro alla Scala in Lucrezia Borgia. Nel 1972 tornò alla Scala con Norma di Bellini e, come Violetta nella Traviata, fu alla Royal Opera House di Londra.
Grande interprete di canzoni popolari spagnole, fece un'incursione nel Rock Opera nel 1988, registrando con Freddie Mercury l'album intitolato Barcelona. Il singolo omonimo diventò l'inno dei Giochi Olimpici del 1992.
Nel 2004, accanto alla figlia Montserrat Martí, ha interpretato la Cleopatra di Massenet in forma di concerto, al Teatro Real di Madrid. Nel 2007, a Vienna, è comparsa come mimo nella Figlia del reggimento di Donizetti, nel ruolo della Duchessa di Crackentropp.
Ecco una miserrima selezione operata da me, che inzia con la Traviata e attraversa Casta Diva (a mio parere però meno emozionante della Callas, convenzionale ma insuperabile), Hijo de la luna (canzone che scoprii in italiano e di cui rimasi folgorato!) e infine la pelled'oca con Barcelona.

La traviata

casta diva

hijo de la luna

barcelona

viva la ciccia.

2008-07-23T16:08:00.002+02:00

liberalamusica

Gilbert Becaud

Pseudonimo di François Gilbert Silly è stato un cantante e compositore francese.
Fu soprannominato Monsieur 100.000 volts (Signor 100.000 volts) per la sua grande energia sulla scena e per le 400 oltre canzoni, ed il suo successo più celebre, Et maintenant, è del 1961.
Dal 1948 al 1950 stabilì un sodalizio artistico con Marie Bizet e Maurice Vidalin iniziando la sua attività di compositore e contribuendo al notevole successo del trio.
Durante una tournée come pianista di Jacques Pills conobbe Edith Piaf, moglie di Pills, scrivendo per lei Mes mains e Les croix' e debuttando sulla scena come cantante l'anno seguente divenendo così uno dei più brillanti personaggi del panorama artistico francese.
Nella seconda metà degli anni '50 cantò, tra l'altro, La corrida, Le jour où la pluie viendra e C'est merveilleux l'amour e di quegli anni fu anche il suo debutto al cinema con il film Le pays d'où je viens del 1956.
Nel 1960 vinse il Gran Prix du Disque, importante riconoscimento artistico francese, con una cantata natalizia dal titolo L'enfant à l'etoile e l'anno successivo gli Everly Brothers portarono al successo la versione inglese della sua Je t'appartiens (interpretato in seguito anche da cantanti come Bob Dylan, Nina Simone, Elvis Presley e James Brown).
Negli anni '70 si dedicò alle sue tournée e al cinema e nel 1974 fu nominato Cavaliere della
Dopo aver lavorato come autore con Neil Diamond, Pierre Grosz e Julian More (con quest'ultimo scrisse il musical Roza che andò in scena a Broadway), nel 1982 incise L'amour est mort con la cantante del Québec Martine St. Claire.
Morì nel 2001, all'età di 74 anni a Parigi, dove viveva in una casa galleggiante sulla Senna; il suo corpo riposa al cimitero Père Lachaise della capitale francese.

et maintenant

nathalie

l'important c'est la rose

viva Parigi.

2008-07-22T11:27:00.003+02:00

liberal'autore

Balthus

Figlio del critico d'arte e pittore Eric Klossowski e di Baladine, autrice di acquerelli, Balthus fu a stretto contatto con il mondo della pittura già dall'infanzia: la sua casa era frequentata da artisti del calibro di Cézanne, Matisse, Mirò, Masson, sotto l'egida dei quali si compì la sua formazione artistica, pur essendo egli fondamentalmente un autodidatta. Suoi veri modelli furono però Masaccio e soprattutto Piero della Francesca, dallo splendore delle cui opere egli rimase affascinato già durante il suo primo viaggio in Italia nel 1926.
Nacque nel 1908 in una Parigi nel pieno della sua effervescenza artistica. E' di origine polacca la sua famiglia vive a Parigi a partire dal 1903 nel quartiere di Montparnasse, sin da piccolo è attorniato dagli artisti e intellettuali più colti dell'Europa di quel tempo. Infatti la sua pittura che non ha né eguali né simili nello scorso secolo sembra essere proiettata con lo stile nel passato, ma con tutti i temi, le nevrosi e le morbosità del Novecento. Masaccio e Piero della Francesca: chi più di loro ha avuto nella pittura il "potere di Prometeo" nell'età del passaggio? Nel loro caso tra età gotica ed età rinascimentale: di Masaccio, Balthus, studia la "vita di Pietro" della famosa Cappella Brancacci nella chiesa degli Scalzi a Firenze nel 1926 infatti dipinge: "San Pietro distribuisce le elemosine e la morte di Anania", con uno studio di colori molto più cupi e affumicati dell'originale dal quale l'aveva tratto. Dopo varie traversie, Balthus, decide di iniziare a dipingere senza avere però trovato alcuna conferma sociale alla sua quantomeno originale forma d'arte. Il 1933 è un anno prodigo di capolavori infatti dipinge "La rue" (la strada) quadro che lo renderà famoso a Parigi dove nel frattempo era tornato a vivere, sempre nel '33 dipinge altri quadri di bellezza disarmante e inquietudine palpabile: "Alice nello specchio" rimembrando molto liberamente il capolavoro di Lewis Carroll e "La toilette de Cathy" tratto altrettanto liberamente da "Cime tempestose" romanzo di Emily Brontë, lo colpì a tal punto che decise di illustrarne svariati episodi, i colori di questo periodo sono su tonalità neutre o marce; beige, marrone, ocra, rosso di cadmio, arancione; colori caldi ma in penombra, offuscati da qualcosa di impercettibile d'acchito ma che rimandano ad atmosfere degne di Caravaggio e di De la Tour, che Balthus frequentatore imperterrito del Louvre conosceva a menadito e aveva la possibilità di consultare e assorbire, in questo senso il quadro "La partie de cartes" sembra compendiare tutto quello ho appena scritto, in più la morbosità dei riferimenti sessuali riguardo a due bambini che giocano alle carte, ad esempio con una candela spenta sopra il tavolo. La faccia maliziosa della bimba che fissa quella sfuggente del ragazzo a fronte, il quale sta barando, tenendo nascosta una carta dietro la schiena. Il tutto risaltato con giochi di luce che accentuano la tensione erotica del riferimento, trasfigurando una partita a carte in un gioco sessuale malcelato, comunque. Le carte e lo specchio, come i gatti, saranno delle costanti nella sua pittura del secondo dopoguerra, in quadri sempre più spettrali eppure caldi, dove i riferimenti non sono mai così espliciti e gli avvenimenti domestici non sono altro che evocazioni dei passaggi salienti e decisivi della vita, dal piacere alla sofferenza. Un compendio dell'umano che si manifesta in corpi impuberi che (in)volontariamente mettono in atto strategie di seduzione solo atteggiandosi ad adulte svampite e un po' pigre. Quanto fascino può avere una ragazza pigra? Cosa evoca? Trasgressione credo, ma quella autentica, non costruita ad hoc per colpire l'altrui sensibilità, troppo facile, qui viene messa in discussione solo in chi vuole penetrare con occhi di adulto normali atteggiamenti di fanciulla che altrimenti o considereremo insulsi o non degni di nota, assolutamente antiestetici e non erotici. Ma i titoli dei quadri sembrano dare una chiave di lettura che comunque, ad una attenta visione del quadro, arriva ad essere sempre più improbabile e confusionaria. Sembra che Balthus non volesse dire niente di più di ciò che lo spettatore vedeva, in un secolo dove la comunicazione o è spinta ed esplicita o non è, egli si prese il lusso di dire: no, dico se voglio, dico se gli altri sono in grado di intelligere. Il tempo nella sua arte sembra non avere senso si vede nella sua pittura una maturità che ne descrive l'animo senza mai lanciare "messaggi". Cosa che avrebbe legato fin troppo la sua arte alla contemporaneità, cosa che rende più vetusta la frenesia di altri pittori d'avanguardia. I quadri di Balthus hanno la possibilità di narrare a tutti in qualsiasi quadro anche adesso, la sua intelligenza è stata quella di non fermarsi alla forma delle cose, ma darne vita (o morte) e pneuma, afflato vitale creaturale. I colori forse rimandano troppo al periodo caratterizzante degli anni Trenta in cui un altro grande pittore italiano si distingue ed è Mario Sironi.

viva la maturità.

2008-07-21T11:42:00.004+02:00

liberal'autore.
Fernando Botero

Dopo la morte di Balthus, sublime nella sua astrattezza anoressica e un po' morbosa, il mondo florido e opulento di Fernando Botero è l'unico capace di rispecchiare in maniera grottesca e metaforica certe caratteristiche dell'ipertrofica società contemporanea. I personaggi di Botero non provano gioia né dolore, hanno lo sguardo perso nel vuoto e sono immobili, quasi fossero rappresentazioni di sculture. Secondo Botero, il dipingere dev'essere inteso come una necessità interiore, un bisogno che porta ad una esplorazione ininterrotta verso il quadro ideale. Tuttavia questo bisogno rimane sostanzialmente inappagato. Il colore rimane tenue, mai esaltato, mai febbrile. Da notare l'assenza totale delle ombreggiature nei suoi dipinti perché essi sporcherebbero l'idea del colore che egli vuole trasmettere.
Caratteristica della pittura di Botero è l'insolita dilatazione che subiscono i suoi soggetti, che acquistano forme insolite, quasi irreali. Ma è un passaggio necessario per ben far comprendere la necessità di colore delle sue opere. L'artista si rivela sostanzialmente distante dai suoi soggetti. Ed è proprio questa freddezza che fa scomparire dai personaggi la dimensione morale e psicologica. Gli sguardi sono sempre persi nel vuoto, gli occhi non battono, sembra quasi che vedano senza guardare.
A 12 anni suo zio lo iscrive ad una scuola per toreri, dove rimarrà per due anni (la sua prima opera conosciuta è un acquerello raffigurante un torero). A 16 anni già disegna le illustrazioni per i supplementi di "El Colombiano", il giornale più importante di Medellin. In seguito il giovane Botero si spostò a Bogotá, dove venne in contatto con molti esponenti della cultura colombiana, e subì le influenze della scuola muralista messicana.
Nel 1952 vince, con il dipinto "Sulla costa", il secondo premio al IX Salone degli artisti colombiani, organizzato presso la Biblioteca Nazionale di Bogotá: con il denaro della vincita, Botero intraprende un viaggio in Europa. In Spagna visita il Museo del Prado di Madrid, dove conosce le opere di Francisco Goya e Tiziano, fra gli altri. A Parigi medita sull'arte d'avanguardia francese e decide di interessarsi degli antichi pittori. Giunge alfine in Italia, dove entra in contatto con le maggiori opere del Rinascimento italiano. Le opere di Giotto, soprattutto, lo ispirano molto ed esegue diverse copie dei suoi capolavori. Nel 1955, Fernando Botero ritorna in patria, dove espone le sue opere, ma riceve forti critiche, poiché all'epoca l'ambiente colombiano era fortemente influenzato dall'avanguardia francese, che Botero aveva invece respinto. Non compreso dall'ambiente colombiano, Botero si sposta con la moglie in Messico, dove scopre per la prima volta le possibilità di espandere e dilatare il volume delle forme in modo personale. Una caratteristica che fortemente influenzerà la sua opera. Ma è nel 1957 che Botero scopre l'espressionismo astratto, nel corso di una mostra personale a Washington, grazie ad un tour nei musei di New York. Sempre nel 1957 torna a Bogotá, dove vince il secondo premio al X salone degli artisti colombiani. Nel 1958 Botero ottiene la cattedra di pittura all’Accademia d’arte di Bogotá. Vince finalmente il primo premio al XI salone con l'opera "La camera degli sposi". Nello stesso anno, espone nuovamente a Washington, alla Gres Gallery. Le sue opere vengono vendute tutte il giorno stesso dell'inaugurazione.
Dal 1959 inizia lo studio di Diego Velázquez Botero realizza infatti molte versioni del "Niño de Vallecas", dove il suo stile molto incisivo risente dell’influenza dell’espressionismo astratto.
La sua nomina alla Bienneale colombiana gli muove aspre critiche e Botero è costretto ad abbandonare il suo Paese, quasi in povertà. La Gres Gallery di Washington, che fino ad allora l'aveva sostenuto, chiude e Botero, in forti difficoltà economiche, divorzia dalla moglie. Nel 1961 sembra cambiare qualcosa: il Museum of Modern Art di New York decide di acquistare il suo "Monna Lisa all'età di dodici anni", ma la sua prima mostra newyorkese si dimostra un fallimento. Ritrovata la serenità dopo un nuovo matrimonio, Botero si dedica alla cura dello stile.
Si appassiona a Pieter Paul Rubens. Inizia ad esporre regolarmente in Europa, a New York e anche a Bogotá. Inizia lo studio di Dürer, Manet e Bonnard.
Finalmente nel 1969 espone anche a Parigi. A partire da questo momento, inizia un peregrinaggio in tutto il mondo alla ricerca di ispirazione. A metà degli anni '70 si dedica per un paio d'anni quasi esclusivamente alla scultura. Il 21 ottobre del 2007, a Pietrasanta, vengono rubate delle statue di bronzo per il valore di circa 4 milioni di euro. Le opere si intitolano "Adamo", "Il cane", "Gatto codone", "Donna con mano nei capelli", "Ballerina vestita", "Ballerina in movimento" e "Passero".
Espone ripetutamente le sculture in tutto il mondo. Tra gli eventi di maggior rilievo la mostra delle sue enormi sculture sugli Champs-Elysées nel 1992, e varie mostre negli spazi pubblici di città europee nel 1994.
"Credo che l'arte debba dare all'uomo momenti di felicità, un rifugio di esistenza straordinaria, parallela a quella quotidiana. Invece gli artisti oggi preferiscono lo shock e credono che basti provocare scandalo. La povertà dell'arte contemporanea è terribile, ma nessuno ha il coraggio di dire che il re è nudo".

viva la grandezza.

2008-07-19T18:59:00.003+02:00

liberal'autore

Frida Kahlo

Frida aveva sopracciglia unite – per non far scappare lo sguardo (uno sguardo attento, doloroso, costantemente rivolto dentro di sé). Era nata nel 1907, messicana fino alla punta dei capelli, anche se metà delle sue radici venivano dalla vecchia Europa. Una famiglia unita: padre fotografo talentuoso, amatissimo dalla figlia, e una madre devota e di carattere (con cui il rapporto fu ben più conflittuale) – tre sorelle e due sorellastre. La sua infanzia fu relativamente serena, nella casa dalle tinte forti, in mezzo agli scatti del padre – eppure la bambina era già afflitta da un corpo sbagliato; per anni si è creduto fosse stata la poliomielite a renderla claudicante, mentre oggi si propende per la teoria che l’artista avesse la spina bifida, un grave difetto del tubo neurale. In ogni caso, la malattia era in forma lieve e permise che i primi anni della ragazzina fossero allegri e molto movimentati, visto che Frida già mostrava una personalità ben radicata e poco accomodante. Adolescente inquieta e sensuale, pur nel suo aspetto minuto e minuscolo, fu un incidente stradale a stravolgere la sua vita e a darci la pittrice – uno scontro, nel 1925. L’autobus su cui era Frida andò in frantumi, e così la schiena, la gamba e il bacino della ragazza. Le fratture quasi non si contavano e per mesi si pensò non sarebbe mai tornata a camminare. Ebbe invece una quasi miracolosa (ma momentanea) ripresa che fece sperare che l’unico effetto a lungo termine dello scontro sarebbe stato un “semplice” accentuarsi della zoppia. Fu nella lunga convalescenza, totalmente bloccata a letto, che iniziò (in una posizione scomoda – scomoda sotto le coperte e nella vita) a dipingere. Per passare giornate orribili e statiche, prigioniera di se stessa, di un corpo tradito, di un corpo traditore.Nessuno avrebbe immaginato che un tentativo di occupare il tempo avrebbe fatto nascere Frida Kahlo. Il suo amore giovanile se ne andò mentre lei stava in quelle condizioni, la vita scorreva al di fuori, e Frida aveva solo se stessa e le sue quattro pareti. Poi ecco appunto l’attimo che sembra di ripresa – l’attimo in cui va dal grande pittore Diego Rivera, enorme di mole ed ego, e gli chiede un parere professionale dei propri lavori. E’ lui, quello che lei stessa avrebbe definito, con innamorata e furiosa ironia, il secondo incidente della sua esistenza: Diego.Un epicureo, in un certo senso; dipingeva, si godeva la vita, pieno nelle forme e nel piacere. Brutto, piaceva alle donne per quella sua passionalità latina e istintiva e pare che nessuna riuscì a resistergli (neppure l’adorata sorella della Kahlo) – e Frida non fece eccezione, per una volta. Si sposarono nel 1929 – in seguito si separarono e convolarono nuovamente a nozze. Un amore complesso, quello dell’elefante e della colomba, come scherzosamente si definivano; lui traditore, lei innamorata ma non cieca e nemmeno casta. Nel loro menage (anzi al piano di sotto) l’ex moglie e i figli di lui; tra loro, una quantità di donne (alcune amate anche da Frida), qualche uomo che fu più distrazione che altro e persino il celebre Trotsky, che aveva cercato rifugio in Messico.E la pittura – furiosa, continua, necessaria nei lunghi periodi atroci. I dissidi con la madre, i figli mai arrivati, il matrimonio complicato (critico fu il viaggio negli Stati Uniti, dove Diego, fervente comunista, si trovò stranamente bene e fu assai apprezzato, mentre la moglie rimpiangeva il suo Messico) e trentacinque interventi chirurgici – per lo più alla schiena, alla gamba e al piede. Interventi ogni volta seguiti da mesi e mesi costretti nel gesso, una statua vivissima nel suo sudario colorato. Un’esistere pieno ed estenuante, malgrado tutto; poche esposizioni, anche se storica fu la sua prima mostra in patria – il medico le aveva detto di evitare di alzarsi dal solito giaciglio e lei dunque si era fatta portare nel centro della sala, fra i suoi quadri. Ironica, spietata, lei dipingeva la sua realtà – il sogno non le aveva voluto bene, il sognare le era penoso; la sua, una realtà surrealistica, ma – paradossalmente – oggettiva. E poi la morte – dopo una vita di dolore fisico e psicologico. Nel 1954, con l’arto ormai amputato, un fisico in sfacelo e un biglietto nel quale si augurava di non tornare più (ma non si crede si sia trattato di un suicidio – in ogni caso, le condizioni erano ormai tragiche). Più di un suo dipinto su tre è un autoritratto – con Frida Kahlo non si tratta di vera psicopatologia: non c’è schizofrenia o altro, ma solo un’enorme e motivata ansia e un’ovvia depressione. Ma lei era di più – della somma delle sue parti ferite e della sua angoscia. I colori che usava quasi fanno male agli occhi: colori vividi, di Messico, di terra e di rosso, di pena (pennellate disperate e rabbiose, che non vogliono essere belle, ma raccontare, spiegare, disvelare). Le due Frida, collegate, impossibili da slegare nei loro aspetti disgiunti ma non abbastanza; quel viso in cui almeno lo sguardo è tenuto assieme, le lacrime, la colonna spezzata, le facce dei famigliari, quelle radici che la legano al letto, al terreno, ferma, prigioniera – i feti, il corpo sezionato, il corpo studiato, riprodotto ossessivamente nelle sue imperfezioni, nei suoi sbagli. Il coraggio di scendere in fondo al dolore, per vedere se si riesce a scioglierlo un poco – anche perché è troppo da tenere dentro. Il suo fu un narcisismo che diede un poema epico. I piedi sofferenti, la gamba, se stessa, in quei colori fortissimi che graffiano, in quello sgretolarsi di certezze, in quei deserti aridi eppure così significativi. E lei, la sua faccia, due dimensioni schiacciate su tela, in un’autobiografia continua che sferza. E’un vento spietato, Frida, ed è stata sfortunatissima ma non ti viene da dirlo – troppo aveva dentro e ci ha dato, per avere in cambio una ignobile pietà. La poetessa del dolore, della rabbia, del desiderio – di una vita, di movimento, di levità. Un esempio di come non sia stata una mente fragile a donarci un grande artista, stavolta, ma semplicemente l’inevitabile e universale crudeltà che talvolta caratterizza la vita. Lei che si domandava che se ne facesse dei piedi quando aveva le ali e poi sosteneva Io sono la disintegrazione e infine nell’angolo del suo ultimo dipinto, pochi giorni prima della fine ha scritto (e probabilmente lo sentiva veramente, malgrado tutto)...

viva la vida.

2008-07-18T12:02:00.003+02:00

liberalamusica

Connie Francis

Connie Francis, all'anagrafe Concetta Rosa Maria Franconeri (Newark, 12 dicembre 1938) è una cantante statunitense di origini calabresi. È conosciuta soprattutto per i suoi successi Who's Sorry Now?, Where The Boys Are , Everybody's Somebody's Fool , Stupid Cupid e Chitarra Romana. In Italia ha partecipato al Festival di Sanremo 1965 con Ho bisogno di vederti cantata in abbinamento con Gigliola Cinquetti e al Festival di Sanremo 1967 con Canta ragazzina cantata in abbinamento con Bobby Solo. Il suo debutto risale al 1955 quando la MGM decide di immettere sul mercato il suo primo singolo dal titolo "Freddy" e nel lato B "I didn't i love you enough" che passa però inosservato. Nel 1957 partecipa all'incisione di Marvin Rainwater del brano "Majesty of love" che ottiene un caloroso riscontro di vendite lanciandola definitivamente sul mercato statunitense. Le successive incisioni di stampa americana furono tiepidi successi. Successivamente incide un vecchio brano dal titolo "Who's sorry now" ed è subito successo mondiale. Incide un nuovo singolo per il mercato statunitense "Everybody's somebody's fool" che presenta nel lato b"Jealous of you"(il famoso Tango della gelosia composto da Vittorio Mascheroni nel 1928).Questo brano conquista subito le classifiche mondiali ed in Italia la cantante lo incide in italiano raggiungendo subito le prime posizioni di classifica. In seguito la sua canzone "where the boys are" viene scelta come colonna sonora del film "La spiaggia del desiderio" che la vede cimentarsi anche come attrice. In seguito diventa un volto noto della nostra tv che la vede ospite alle più importanti trasmisioni televisive come "Giardino d'inverno","Teleritmo" con Johnny Dorelli, "L'amico del giaguaro" con Gino Bramieri e "il signore delle ventuno" con Eernseto Calindri.
Connie è stata senz'altro una delle prime cantanti di rock'n roll. Mentre in America le sue canzoni rock avevano successo in Italia non venivano molto apprezzate forse perchè l'Italia non era ancora preparata al rock femminile. In Italia infatti fu costretta ad incidere canzoni a lei non adatte "romantiche e smielate" attingendole spesso dal repertorio tradizionale e folk americano. A parte "Il tango della gelosia" le successive incisioni in italiano furono poco curate in quanto i discografici della Mgm attratti dal successo dell'artista che riscuoteva nel nostro paese e dai loro guadagni, immissero una notevole quantità di incisioni curando ben poco gli arrangiamenti, le copertine. Successivamente vive alcune vicissitudini personali che l'allontanarano dall'ambiente artistico: fu vittima di uno stupro che la fece uscire di testa a causa di soventi ricoveri in cliniche psichiatriche. Connie è tuttora in attività nel suo paese con la speranza di poter tornare ad incidere qualcosa di nuovo in italiano e più congeniale a lei.

questa è "canta ragazzina" (Sanremo 1967)

e questa invece "ho bisogno di vederti" (Sanremo 1965)

questa la hit "who's sorry now"

e questa la mia amata "siboney"

viva i capelli cotonati.

2008-07-17T21:15:00.004+02:00

liberal'evento

Il Quattrocento a Roma

Fino al 7 Settembre, la prima grande mostra dedicata al Quattrocento romano offre al pubblico un’indagine affascinante sugli aspetti sociali, urbanistici, religiosi ed artistici di Roma nel XV secolo. L’esposizione comprende circa 170 opere, tra plastici, arredi sacri e civili, ceramiche, sculture, disegni, medaglie papali e quadri, provenienti dai principali musei italiani e stranieri, tra cui i Musei Vaticani, il British Museum, lo Stiftung Museum Kunst Plast di Düsseldorf, il Skulpturensammlung und Mueseum für Byzantinische Kunst di Berlino. Attraverso cinque ampie sezioni si possono ammirare: la ricognizione storica dell’aspetto urbanistico e architettonico de “La città” di Roma nel Quattrocento. La città come la più importante meta del Cristianesimo occidentale nella sezione “I Papi. Fede, arte e potere”. La “Vita civile e religiosa”, dedicata alla vita quotidiana, con stoviglie, mobili e arredi delle dimore, strumenti musicali, “vesti” per la guerra e arredi sacri. “Lo scrigno dell’antico” ovvero i tesori dell’antichità che Roma, museo a cielo aperto, offriva agli artisti come inesauribili spunti d’ispirazione e riflessione. E infine “La rinascita delle arti” che presenta la fioritura delle arti in pittura come in scultura, con capolavori straordinari di Masolino, Gentile da Fabriano, Pisanello, Filippo Lippi, Beato Angelico, Benozzo Bozzoli e ancora, tra i più grandi, di Piero della Francesca, Mantegna, Pinturicchio, Filippino Lippi, Melozzo da Forlì, Antonio del Pollaiolo fino a Michelangelo negli ultimi anni del Quattrocento.
Dal 20 maggio presente in mostra anche il capolavoro, fresco di restauro, “Madonna con Bambino” di Piermatteo d’Amelia, del quale si erano perse le tracce da oltre venti anni.Accanto alle prestigiose opere, corredano l’esposizione: una grande tavola multimediale di Roma, con cui interagire ed esplorare nel dettaglio edifici e monumenti dell’epoca, e la ricostruzione tridimensionale della Cappella Carafa di Santa Maria Sopra Minerva, realizzata dall’Enea; ricostruzione che, grazie ad una sofisticata tecnologia, consente una visione nitida e ravvicinata degli affreschi del Lippi fino a percepirne i minimi dettagli.
Se Roma tornò ad essere la protagonista del palcoscenico artistico, politico e religioso dal XVI al XX secolo, lo dovette proprio al Quattrocento, quando il pontefice, dopo il periodo avignonese (1305-1377), riprese il suo posto sul trono di Pietro in Vaticano. Per questo a Roma si avvicendarono figure di grande importanza per tutto il Rinascimento italiano a cominciare da Donatello, Brunelleschi e Leon Battista Alberti che all'antichità di Roma si ispirò per le sue opere teoriche. Fra i pittori documentati lungo il percorso espositivo non possiamo non ricordare Gentile da Fabbriano, Mantegna, Perugino, Piero della Francesca, Pinturicchio, Filippo Lippi, e perfino Michelangelo, che iniziò la sua straordinaria carriera proprio nella Roma del Quattrocento.

viva la storia.

2008-07-16T11:06:00.005+02:00

liberalaresistenza

predappio

Assenza protrattasi per quasi una settimana.
Forse nessuno ha sentito la mia mancanza. E infondo, la cosa non mi sorprende.
Settimana densa, ma mi soffermerò unicamente sull'esperienza fatta a Predappio, per legarmi al precedente post e poi ricominciare con Libàrte.
Ci tengo a dirla schietta qui: sono rimasto allibito. Un paesino dell'Emilia, rosso nell'Amministrazione che fa del commercio con la nostalgia fascista. Il tutto perché quel paesino è la culla del nostrano Duce. Qualche repubblichino qua e là, qualche skin head si aggira per i negozietti e in tutto questo gli abitanti del posto si dicono tranquilli. La convivenza sembra farla da padrone. Mi sorge il dubbio che non sia più timor di qualcosa. Perché vedete, io ci credo poco al fatto che nonstante orde di nostalgici e fanatici ti invadano il paese anche solo per una volta l'anno, tu che magari hai fatto la Resistenza o che comunque sei stato educato a disprezzare qualsiasi forma di totalitarsmo, possa startente tranquillo a veder sfilare manganelli, passamontagna, saluti romani e motti di vario stampo.
Ma tant'è. Predapio è un paesino effettivamente contraddittorio che però risolve le sue polarità in una rilassante ambiguità.
E intanto io mi tirovo in casa ben 4 calendari (regalati) del "povero" Benito.

viva la libertà.

2008-07-10T19:51:00.003+02:00

liberalamini

checkinarchitecture

Il vostro caro si assenta per due giorni in quanto coinvolto nel progetto Check-in Architecture. In missione a Predappio: partenza domattina...ovviamente con una Mini appena ritirata!
MINI Presenta Check In ArchitectureCheck-in, un progetto di ricerca partecipativa presentato da MINI e patrocinato dal XXIII UIA World Congress durante il Torino World Design Capital.
Artisti, architetti, designer, sociologi, studenti e persone comuni a filmare luoghi delle città italiane ed europee per produrre documentari di circa tre minuti. Per i partecipanti ci sarà l’opportunità di viaggiare gratuitamente in diverse città europee. Le partenze avverranno dalle sedi delle 5 concessionarie MINI di Torino (Autocrocetta), Mestre (Motorsport), Milano (MINI Milano), Roma (MINI Roma) e Napoli (Net). Per ogni missione vengono messe a disposizione delle MINI CLUBMAN. La Redazione di Check-In Architecture organizza le fasi di ogni viaggio: dalla prenotazione degli alberghi, agli appuntamenti con le persone da intervistare e i permessi d'accesso a luoghi o eventi.
Check In Architecture sarà anche un evento inserito nelle più importanti manifestazioni internazionali di architettura del 2008. Con i nostri Chek-In Point (posti inseriti nel centro delle città dove l’evento avrà luogo) a Torino durante il congresso internazionale di architetti, a Cagliari per la manifestazione Festarch e a Venezia per la Biennale di architettura a dare informazioni sul progetto e a mostravi i risultati delle missioni svolte fino a quel momento.

viva predappio...

2008-07-09T10:20:00.002+02:00

liberal'urlo

nocavday

Era da tempo che non andavo ad una manifestazione/comizio come quella di ieri. Era da tempo che da un palco non salivano personaggi pubblici, esposti al giudizio mediatico che tirasero fuori qualche verità scomoda. Era da tempo che si sentiva il bisogno di fare qualcosa, pur piccola, pur inutile, ma insomma bisogna muoversi.
Inizio con le ultime parole di Sabina Guzzanti, riferiti a un detto messicano: un popolo per cambiare ha bisogno di un popolo e di un leader che siano pronti per farlo. I giornali stanno parlando molto del turpiloquio della Guzzanti. Io c'ero: assicuro che le parolacce non hanno scandalizzato nessuno e a furor di popolo Sabina ha finalmente sparato merda su chi diplomaticamente lo fa tutti i giorni sulla nostra vita civile. A cominciare dal sig.Berlusconi, passando per Ratzinger fin anche alla povera ministro delle Pari Opportunità. Quest'ultima, bersaglio delle ingiuriose verità che la vogliono prestatrice occasionale di pompini ad alti livelli, ha prontamente querelato l'accusatrice. Ora dico, da Piazza Grande al Parlamento in così poco tempo, signora Carfagna il dubbio è venuto a tutti. E diciamo pure che il dubbio ce lo siamo levato quando ha cominciato a sparare cazzate sui diritti degli omosessuali. Ma il problema non è lei. Vede, quel governo di cui lei fa parte (e diciamocelo, in cui lei conta quanto il due di briscola) è davvero un'amalgama imbarazzante di personaggi più o meno noti al grande pubblico della televisione, al discreto pubblico della mafia, al ristretto pubblico di casa Arcore. Questa selezione non è che solo non ci convince, ma ci indigna e fa rivoltare nella tomba coloro che per formare questa Repubblica c'hanno perso la vita (e meno drammaticamente, tutti quelli che per stare lì passano gli anni a stduiare e a fare gavetta).
Ma non c'è stata solo la Guzzanti, siamo passati da un formidabile Camilleri, a un ineguagliabile Travaglio. E' vero, adotto anche io un linguaggio da palcoscenico, dove sembro passare in rassegna i personaggi di uno spettacolo. E diciamocelo, su quel palco un pò di spettacolo s'è fatto. Ma ci sta quando a farlo sono persone che DENUNCIANO con fatti alla mano, che URLANO per farci svegliare da un intontimento generale (e intanto qui si radica il regime...). L'intervento telefonico puntuale della Borsellino e quello meno seguito di Grillo, eccetera eccetara.
Non sto qui a fare la cronaca che torvete scritta sui giornali. Speriamo. Anche perché di materiale incostituzionale e vergognoso, questo governo ne sta fornendo a iosa. E c'è chi sa parlarne meglio di me.
E ora che si fa? Questa rivoluzione l'aspettiamo o la vogliamo inziare a fare? Vogliamo inziare a capire che questi qui ci stanno fottendo il futuro a tutti? Perché il prbolema è che, ovviamente, in quella piazza eravamo tutti d'accordo e la magica atmosfera del fervore ci mette poco a dilagare. Ma accanto a noi c'è l'indifferenza e l'ignoranza di chi sbruffoneggia il suo voto a destra (o il suo non-voto), come se i suicidi andassero in giro a vantarsi con un coltello ficcato in petto!

viva l'urlo.

2008-07-07T12:00:00.003+02:00

liberal'idea
soffioacquaenonpiangipiù

Ok, 'sti cinesi saranno pure geniali, ma a volte viene il dubbio che non ci stiano prendendo per il culo. Il dubbio è facile a togliersi, qualora ci applicassimo tutti a fare come ci dicono (o sarebbe già questa una forma di "infinocchiamento"?) e verificare. Ecco, diciamo che in questo caso, mi sembra strano che si siano risolti i grandi problemi della storia dell'umanità con un tecnica made in china (con tutto il rispetto per la loro cultura millenaria)...anche perché io c'ho provato con mia nipote di una settimana (vabbè avevo bevuto la birra, ma il concetto dovrebbe essere quello) e non mi pare che abbia funzionato granché.
Comunque, a chi fosse interessato, ecco la soluzione ai piagnistei infiniti dei poppanti!
Ps: io vedo soffi, ma non vorrei il consiglio fosse di sputarla l'acqua...

viva i soffi.

2008-07-06T11:31:00.004+02:00

liberal'arte

Biennale di Sidney Revolution forms that turn

L’evento include 180 artisti, tra cui 15 italiani, che danno vita a performance, dibattiti, arte.
Il vento avanguardista che ha invaso la capitale del surf dal 18 giugno ed ha portato 180 artisti da 45 paesi ad esporre le proprie opere, durerà fino al 7 settembre. Dislocata in sette luoghi, tra cui Opera House, Cockatoo Island (l’isola nella baia che ospita le prigioni patrimonio mondiale dell’umanità) e Royal Botanic Garden, l’esposizione presenta un doppio fil rouge. Quello politico, che rimanda all’universo contemporaneo indagato con senso critico, e quello autoreferenziale, dell’arte che riflette su se stessa, istanza autonoma che si evolve conservando strumenti propri. 2 rivoluzioni che scuotono la città e prendono vita attraverso pittura, scultura, fotografia, happening. Dall’avanguardia primo-novecentesca a quella attuale, rappresentata da 50 opere create in esclusiva per l’evento. Dalla follia dei pionieri Duchamp, Rodchenko e Malevich, fino ai maestri attuali, come William Kentridge, Janet Cardiff, Gerge Bures Miller o l’australiana Tracey Moffat. Mentre il contributo nostrano ha il nome di 15 artisti tra cui spiccano i noti Luciano Fabbro, Jannis Kounellis, Piero Manzoni, Mario e Marisa Merz, Michelangelo Pistoletto e Luigi Russolo. Particolare attenzione è stata attirata dalle opere di Giuseppe Penone, che ha istallato nel polmone verde della city un albero di bronzo alto 9 metri, e di Maurizio Cattelan che ha attaccato un cavallo imbalsamato al soffitto del Museo di Arte Contemporanea. Ma anche Lara Favaretto che con ammiccante ironia utilizza bombole d’ossigeno per dar vita ad una grottesca battaglia militare, battezzando l’allegro plotone “Macchine del divertimento”.
Forme in rivolta - come spiega alla stampa italiana Carolyn Christov Bakargiev, direttrice artistica della biennale intitolata appunto “Revolution forms that turn” – “Una costellazione d’artisti, scrittori, pensatori e interpreti che rappresentano una qualche forma di rivoluzione nei loro lavori”. Uno sforzo comune, dove “rivoluzione” sta per ribellione al sistema politico, e “forme in cambiamento” sta per isolamento dell’oggetto artistico. Particolarmente controversa, la voce dell’australiano Mike Parr, che in un video realizzato negli anni ‘70 mostra un pollo che viene decapitato. Subito denunciato dall’ente protezione animali, è una delle opere di “Mirror/Arse” (Specchio/Culo) che comprende anche proiezioni in cui l’artista si autoinfligge tagli e bruciature. L’intento, scioccare lo spettatore, mettendolo davanti a situazioni disgustose o spiazzanti. Gli fa eco l’argentino Leon Ferrari con l’opera “Western Christian Civilization”, realizzata durante la guerra in Vietnam e censurata in patria, che rappresenta un crocifisso sulle ali di un aereo da guerra americano. Ma nonostante le polemiche, la Biennale riscuote un successo che dimostra quanto l’Australia sia ormai entrata a pieno titolo nel dibattito artistico internazionale. Prendendo le distanze da chi la vorrebbe semplice rappresentante di una cultura “da spiaggia”, si dimostra culla di un fermento vitale dalle cui tematiche non è più così isolata.Il “movimento” è l’ospite d’onore della Biennale; movimento fisico, ma soprattutto interiore.65 lavori inediti fanno capolino, consacrando la volontà dei curatori di presentare le discontinuità emergenti del nuovo contemporaneo e le avanguardie di questo secolo.

viva la rivoluzione.

2008-07-05T13:55:00.004+02:00

liberalapersona

Twiggy

Twiggy Lawson, all'anagrafe Lesley Hornby nasce a Londra nel 1949. Diventa famosa, grazie all'influenza del fidanzato e manager Justin de Villeneuve come modella, attrice e cantante.
Considerata come "il volto" della Swinging London degli anni sessanta (egregiamente ritratta in Blow up di Michelangelo Antonioni del 1966), ottenne il soprannome di "Twiggy" (legnetto) per la sua figura magra da preadolescente. Diventa famosa a 17 anni, quando Mary Quant decide di affidare alla sua immagine il lancio della minigonna. Con la maggiore età appare come attrice e cantante nel film Il boy friend, diretto da Ken Russell. Da allora ha recitato diversi ruoli sia sul palco che davanti alla cinepresa.
Il suo primo matrimonio, con l'attore statunitense, Michael Witney, finì con la morte improvvisa di quest'ultimo. Nel 1988, si sposò con l'attore Leigh Lawson.

viva il coraggio.

2008-07-04T20:12:00.006+02:00

liberalamusica

coldplay

Influenzati da artisti come Radiohead, Jeff Buckley, Travis, U2, R.E.M., John Lennon, The Smiths, Tom Waits, Neil Young, Johnny Cash. La "prima" del gruppo è datata gennaio 1998: nella camera da letto di Jon, la band, che assume il nome di Starfish, suona Ode To Deodorant considerata (erroneamente) il primo pezzo della band e provata e riprovata per ben due ore, e So Sad, la prima vera canzone. I quattro riescono a sviluppare un'ottima alchimia, talmente raffinata ed efficace che decidono di chiamare un promoter locale ed organizzare un piccolo live, in modo da farsi conoscere. Il promoter obbliga la band a dover portare al Camden Laurel Tree, sede del loro primo "futuro" concerto, almeno 25 persone, altrimenti l'affare è destinato irrimediabilmente a saltare. In parallelo, un altro ragazzo vuole entrare a far parte della band come pianista: è un timido e impacciato Tim Rice-Oxley, allora sconosciuto, ma poi divenuto famoso grazie alla nascita della sua band, i Keane. Chris nega questa eventualità, perché è convinto di riuscire a sopperire alla musicalità dei Coldplay con gli elementi già a disposizione.
Parachutes: nel Novembre 1999 i Coldplay incentrarono i loro sforzi sul loro album di debutto. La band passò il Capodanno a completare i brani "Yellow" ed "Everything's Not Lost". Dopo aver rilasciato tre EP senza una hit, i Coldplay pubblicarono il loro primo successo da classifica, "Shiver". che si piazzò ad una modesta posizione 35 in Gran Bretagna e procurò alla band una prima trasmissione su MTV.
Il giugno 2000 fu un momento cruciale nella storia dei Coldplay. La band si imbarcò sul suo primo tour che incluse un ritorno trionfale a Glastonbury e fu rilasciato il fortunato singolo "Yellow". La canzone si piazzò alla quarta posizione in Gran Bretagna e rese famosa la band.
Oltre all'acclamazione della critica, Parachutes fu a volte criticato per le somiglianze con la musica dei Radiohead nella loro era The Bends - OK Computer.

A Rush Of Blood To The Head pubblicato nel mese di Agosto del 2002. L'album fu generalmente considerato come un'opera più sofisticata rispetto a Parachutes. Ad esempio, il pregnante brano di apertura "Politik" fu scritto pochi giorni dopo gli attacchi terroristici dell'11 Settembre. A Rush Of Blood To The Head divenne un best-seller e ricevette molti consensi dalla critica. Ne furono tratti vari singoli di successo, in particolare "In My Place", "The Scientist", e "Clocks". I Coldplay si sono anche costruiti una reputazione per la loro scelta eclettica di cover da eseguire dal vivo, da "Barbie Girl" degli Aqua , "Hot in Herre" di Nelly, oltre a versioni emozionanti di "The Living Daylights" degli a-ha e "What a Wonderful World" di Louis Armstrong.

X&Y esce il 6 giugno 2005 nel Regno Unito col singolo "Speed of Sound", direttamente al n. #1 in 28 paesi. e dal 2006 erano al lavoro per Viva la Vida or Death and All His Friends o più semplicemente Viva la Vida, pubblicato il 16 giugno 2008. La band si è avvalsa e tuttora si sta avvalendo della collaborazione di due produttori di prim'ordine: il primo è Brian Eno, storico "developer" di alcuni album degli U2 e già collaboratore dei Coldplay nell'uso di sintetizzatori e campionamenti per alcuni brani della loro discografia ufficiale; il secondo è invece Timbaland, il quale vanta una notevole esperienza nel settore ed ha già coadiuvato numerosi artisti di prima grandezza del panorama pop internazionale. Proprio a dirla tutta, ai due si è aggiunto l'ausilio di un altro grandissimo 'sound engeneer' come Markus Dravs, il quale ha lavorato con personaggi come Bjork e Depeche Mode. Grazie all'innesto di tali personalità, il gruppo ha palesato la sua intenzione di dare una svolta alla propria carriera, impostandosi su un nuovo stile leggermente diverso da quello espresso finora. Il quarto album dei Coldplay, è da ieri diventato ufficialmente il disco più venduto dell'intera storia delle pubblicazioni musicali in formato digitale. Difatti, in sole due settimane, il nuovo lavoro della band di Chris Martin ha venduto 354.000 copie in formato digitale, battendo il precedente record di vendite digitali totali di un album, appartenuto a Continuum di John Mayer.

Un disco sperimentale e spattecolare, ipnotico. Me lo sto gustando da qualche giorno confermando quello che da Yellow penso dei Coldplay: una band di qualità, che incanta. Carrellata da Violet Hill, primo singolo di Viva la Vida a Yellow, da me amata e The Scientist a cui sono particolarmente affezionato.

viva la musica.

2008-07-03T20:28:00.002+02:00

stiamo tornando. ci stiamo ri-organizzando (contenuti e forme). e stiamo soprattutto pazientando in un periodo particolarmente oneroso ma per molti aspetti piacevole.

Ovviamente il pluralia è maiestatis e ovviamente grazie per la fiducia (e i numerosi accessi)

Il blogger

2008-06-30T17:48:00.002+02:00

Benvenuta!

E voglio vedere che vita t'inventerai.
Un'immensa felicità a prescindere. Non c'è niente di più bello.

O meglio, di bello c'è anche lo zio. E c'è che zio ci sarà sempre con te.
Auguri, piccola e bellissima Giulia.

2008-06-29T09:34:00.003+02:00

il sondaggio

Ondata di caldo, di riflessioni, di dubbi.
Ma sua una cosa non si può discutere: i diabolici siamo noi che in massa abbiamo ri-votatao un governo di delinquenti. Con chi vuoi prendertela? Con loro? No, me la prendo con chi aveva già visto lo sfacelo della precdente legislatura di destra (ma forse non l'ha visto bene perché conta più quello che vi dicono i media di quello che vedete dentro casa) e s'è orgolgiosamente ripreso l'onore di votarel il PdL. Alla faccia nostra, sua e dei suoi figli.
Distastro economico a parte, qui c'è un problema di demotivazione, di "cattivo esempio" che alla lunga logora lo Stato sociale: qui finisce che tutti vogliono essere come Berlusconi, che frega e la scampa. E se tutti vogliono essere così, più o meno consapevolmente, diciamo pure addio al Belpaese. Grossa responsabilità storica s'è preso lo psiconano!
Questo per introdurre i risultati dell'ultimo sondaggio, sull'onda anomala della rivendicazione...l'Italia per voi ha bisogno di:

più laicità e dignità civile e meno strumentalizzazioni col 60%
più integrazione e meno mafie/localismi segue al 30%
più fondi pubblici e meno privatizzazioni al terzo posto
più leggi ad hoc e meno ad personam in ultima postazione

Le conlcusioni si traggono da sole. Diciamo pure che, per come la vedo io, c'era solo da fare la conta per scegliere quale di questi fosse più importante, ma emerge comunque un bisogno sfrenato di chiudere questa parentesi razzista e intollerante verso tutti e tutte. Si sente il bisogno di riprendere in mano la Carta dei Diritti Civili e rinfrescarla a chi di dovere. Papa compreso. Segue lo stop alle mafie...ovviamente sempre in tema, ricordiamoci d'aver messo al governo una coalizione con a capo un esempio di onestà alleato a un partito come la Lega Nord che se non vuole essere una mafia, fa di certo suo un localismo sfrenato, un guerra alla difesa. E chi li tocca?...Ma sono sicuri che non convenga anche a loro essere toccati da noi (romani e terroni)?

Chiudono il sondaggio il diritto ad avere un Stato Sociale garantito piuttosto che la legittimazione (anacronistica) di un'economia selvaggia e l'auspicio di leggi per lo Stato (ahahah...ora come ora, un'amara risata me la faccio tutta).

Sondaggio estivo, meno incazzato e più della parte piena del bicchiere...Che farete per le vacanze?

Buon sondaggio!

2008-06-28T15:09:00.004+02:00

ηὕρηκα!

Nuova rubrica...fresca, estiva e geniale. Come tutto in questo blog...

Si tratta di genialate scovate qua e là, di piccole idee che possono cambiare la vita! Questa ad esempio, potrebbe farlo sul serio. Dico solo di averci provato per 10 minuti, mettendo in pausa il filmato ad ogn mossa pur di riuscire anche io nell'impresa. E confermo: funziona. Certo, viene una mezza schifezza, non bella, linda e pinta (e stirata) come nel filmato, ma il tutto ha un perché.

Buona spiegazzata!

2008-06-27T14:13:00.004+02:00

nosense post

Quando si dice "col cazzo che...", immagino sempre che quella cosa lì venga fatta con un enorme fallo in mano. Quando si dice "non sto facendo un cazzo" mi chiedo se invece, il resto della vita la si passi a fare cazzi, chennesò, di gommapiuma, di creta, di marzapane.

Fosse che c'ho qualche problema io? Fosse che sono affezionato al mio membro?

Quando penso alla libertà penso alla galera e a chi ne vuole uscire. E penso al popolo italiano della libertà, che vuole uscire di galera, anche se magari in galera non c'è mai andato. Ma non fa niente: l'importante è uscirne.

Quando penso alla chetamina, penso alla mastercard. Con cui ci compri tutto il resto.

Quando penso, diciamo che ce la metto tutta per tirare fuori qualcosa. Il problema è che poi mi scordo questi gioielli. Il mio problema più grande è quello d'avere una pessima memoria. Ma in compenso ho degli ottimi ricordi.

E della speranza che dire?

2008-06-26T15:42:00.002+02:00

àrté. Sten

Pazienza e tecnica gli vengono da quando in Irlanda faceva l’apprendista decoratore nelle chiese. L’ispirazione per le sue immagini di carta spazia dai b-movie alle bancarelle di Porta Portese, passando per la Calcografia Nazionale. Schivo oltre ogni limite. Stiamo parlando di Sten, street artist nato a Genova, ma trasferitosi nella capitale da bambino. È lì da un bel po’ e si vede. “All’inizio la maglietta della ragazza era rosso acceso, ora i colori sono sbiaditi”, dice lui. “Mi piace osservare l’immagine nel tempo mentre si deteriora, ammuffisce e cambia aspetto. Ormai fa parte del paesaggio urbano”. Sten si chiama così perché la sua specialità sono gli stencil. Ha iniziato in strada come tanti writer, ma non ha mai scritto sui muri. “Il primo stencil l’ho realizzato sei anni fa”, racconta. “Il soggetto era un personaggio del film di Romero La notte dei morti viventi. Una copia c’è ancora vicino al cinema Holiday. Ai tempi ritagliavo ogni settimana uno stencil diverso e tappezzavo muri con una certa voracità. Come ha spiegato già Banksy, il bello di questa tecnica di stampa è che è aperta a tutti, anche a chi non sa disegnare come me. Di solito parto da un’immagine fotografica che contrasto al massimo per fare in modo che vengano fuori solo il bianco e il nero. A quel punto ritaglio le parti nere e con la vernice imprimo la figura su una superficie di carta sottile che attacco su parete. Potrei ripetere la stessa operazione decine di volte, ma non amo la serialità: sotto il letto ho più di cento stencil già usati che non utilizzerò mai più, al massimo potrei recuperarli per qualche mostra in galleria”. Non parla a vanvera. Assistente radiologo, laureato in medicina alla Sapienza, Sten si sta togliendo parecchie soddisfazioni come artista: dal 16 gennaio sarà protagonista di una personale all’AvantGarden Gallery di Milano, dal 18 della collettiva City Slang alla Dorothy Circus di Roma, a breve la casa editrice Drago gli dedicherà un libro fotografico. E tutto grazie a un Erasmus: “Nel 1998 partii per l’Irlanda per un periodo di studio all’estero. Fu lì, nella città di Cobh, che entrai per la prima volta in contatto con la tradizione degli stencil. Conobbi un artigiano che lavorava per le chiese dei paesini limitrofi e divenni suo assistente. Per due anni ho intagliato stencil decorativi, trame astratte e floreali. Un’esperienza fondamentale, che mi ha insegnato la cosa più importante di questo mestiere: la pazienza”.Pazienza in grande quantità, sopratutto oggi che Sten si è messo in testa di realizzare opere giganti (fino a tre metri di altezza) con una tecnica da lui stesso denominata hole school, che ricorda le antiche stampe a incisione, la serigrafia, la grana delle foto di giornale. “Per uno stencil normale, semplice, in bianco e nero, basterebbe qualche ora". Ovviamente questi lavori enormi e “pixelati” rappresentano il suo lato ufficiale. Poi ci sono le uscite notturne a caccia di sezioni di cemento su cui agire di nascosto. “Esco a notte tarda prevalentemente da solo. Prima faccio una serie di riti scaramantici: mi capita, per esempio, di convincermi che devo indossare una determinata felpa o evitare di calpestare una certa mattonella se non voglio che mi succeda qualcosa di brutto. Mi è capitato anche che due carabinieri mi sorprendessero mentre stavo studiando un muro. Il poster e la colla erano nascosti dietro una macchina. Osservo questo muro, lo tasto. I carabinieri si insospettiscono e mi chiedono spiegazioni. Poi mi accusano di voler sabotare un impianto del gas e mi perquisiscono. Allora dico loro che sono uno studente di architettura. “Ma che ci fai alle tre di notte qui?”, mi domandano. E io: “Ho l’esame domani”. Inconvenienti del mestiere. Del resto una passione è una passione, mica le si può voltare la faccia. “Quando sono in macchina, sul tram o in motorino – continua Sten – rischio spesso di schiantarmi mentre guardo un edificio o un palazzo su cui vorrei fare qualcosa. Dalla periferia al centro ci sono moltissimi spazi che mi interessano. Sono luoghi nascosti, tanto che io stesso dovrei cercarli, non ricordo esattamente dove si trovano”.Figlio di uno scrittore, organizzatore con i colleghi Lex e Lucamaleonte dell’International Poster Art all’Esc, un atelier occupato a San Lorenzo, Sten dice di essere pigro, ma ciò che si nota al volo è il suo carattere schivo. Inizialmente si era concentrato su soggetti cinematografici rubati ai b-movie degli anni Sessanta e Settanta, per poi stufarsi di quell’immaginario e rivolgersi all’iconografia cristiana conosciuta durante i suoi pellegrinaggi da apprendista artigiano nelle chiese irlandesi. E giungere così a “poppizzare la cultura religiosa”, come dice lui. I suoi recenti lavori rimandano a icone russe, figure rinascimentali, raffigurano volti sanguinanti come madonne del miracolo, facce circondate da aureole, prendono spunto dalle incisioni ottocentesche, in particolare da quelle del francese Gustave Doré. “Mi reco spesso alla biblioteca della Calcografia Nazionale per scoprire i segreti delle antiche tecniche di stampa di cui lo stencil fa parte”, prosegue Sten. “Lì ho avuto la fortuna di ammirare le lastre autentiche di Piranesi e di grandi maestri incisori”. E non importa se pian piano gli stencil si deteriorano fino a sparire: “Non sono nostalgico, non mi guardo indietro, tendo a cancellare il passato. Alcuni dei miei vecchi lavori li detesto e li eliminerei io per primo”.

Buona visione!

2008-06-25T13:49:00.002+02:00

Milludo d'immenso

L'illusione ottica gioca col percetto. E' un pò più di una proiezione quello che vediamo, perché siamo guidati dall'ambivalenza delle fomre, piuttosto che dall'ambiguità. Ecco, è che l'ambivalenza esiste sempre e comunque. Siamo fottuti in un certo senso (quale certo?). Sarebbe meglio giocare con l'illusione stessa. Ed evitare d'illudersi con alte aspettative che finisce sempre male. Se non altro perché l'illusione porta con sé l'implicta sconfitta della stessa.

Sì vabbè, ma alla fine dovevo pur postare qualcosa nel delirio dello studio no?! Ecco, quando studi i test proiettivi e fa molto caldo può succedere anche questo.

Buona il-lusione

2008-06-24T14:42:00.002+02:00

italian tuesday

Questa è messa in scena dura, cruda e potente di cio che è. E ci siamo dentro tutti: questo è il nostro punto di debolezza ma anche quello di forza. Saviano l'ha dimostrato, Saviano non è un pagliaccio, Saviano è un eroe.
Questa è Cappotto di legno (=bara) di Lucariello ed Ezio Bosso. Gomorra ha provocato qualcosa e gli italiani cominciano a dover sapere, la politica comincia a temer di tremare e i Casalesi cominciano ad entrare in carcere.
Libri, film e musica. Tutto deve parlare di noi.

Emozionante!

2008-06-23T15:14:00.002+02:00

Lo stato dell'àrte. Harry Potter & Co.

Fino al 31 Luglio a Bari, presso la Sala Murat, la prima grande mostra su Harry Potter, il maghetto più famoso di ogni tempo. Si tratta di un'esposizione magica di disegni, scenografie, proiezioni tridimensionali, realtà virtuali, che conduce bambini ed adulti in un viaggio emozionante.In questo viaggio fantastico, al fianco di Harry Potter, si incontrano molti altri personaggi della letteratura per ragazzi, classica e contemporanea, che da sempre accompagnano i bambini nel loro viaggio verso il mondo degli adulti: Il Mago di Oz, Peter Pan, Lo Schiaccianoci, Rosaspina, The magician’s boy, tutti disegnati dalla illustratrice italiana di Harry Potter, Serena Riglietti. I visitatori potranno dunque concedersi una pausa di sogno ammirando per la prima volta una buona parte del lavoro di Serena, per lo più sconosciuto al pubblico italiano, in quanto pubblicato da editori americani, cinesi, messicani e inglesi. L’esposizione si articola in sei sezioni. I visitatori accedono alla mostra passando per un bosco, luogo di transito dalla realtà alla fantasia; qui sono accolti da un cantastorie che li accompagna nel mondo del fantastico dell’immaginario e del libro illustrato, attraversando la sala del disegno (con le illustrazioni in bianco e nero originali di Harry Potter); si accede poi alla sala del colore, in cui si viene “investiti e coperti” da un universo di colori, per trasferirsi subito dopo nella sala delle fiabe dove ascoltare bellissime storie. E poi, ancora, la sala del menabò, con un divertente laboratorio didattico; quella dei libri, con le copertine originali di Harry Potter e la sezione “Harry Potter in the world”. Il percorso si conclude nella sala cinematografica: Harry Potter invita ad entrare ed accomodarsi. Dotato di occhiali rotondi per la visione tridimensionale, il pubblico ascolta le storie dei vari personaggi, narrate da una voce fuori campo, e i personaggi, intanto, prendono magicamente vita…Nella sezione “Harry Potter in the world”, i fan del maghetto trovano inoltre una vera “chicca” che documenta la diffusione globale di Harry Potter; sono qui esposte tutte le edizioni mondiali del libro da vedere, toccare, sfogliare: dall’edizione francese a quella cingalese, fino a quella africana, giapponese, svedese.Una mostra dunque che si trasforma in un’esperienza magica, divertente, emozionante ma allo stesso tempo didattica. L’importanza della lettura, la complessità della costruzione di un libro illustrato e l’apporto fondamentale della fantasia nella crescita di ogni persona, sono le principali motivazioni di questa iniziativa, che nasce anche per avvicinare bambini e giovani al mondo delle mostre, generalmente riservato ad un pubblico adulto.

Serena Riglietti autrice dei disegni, è nata a Pavia nel 1969, vive e lavora a Pesaro. Ha frequentato la sezione “Disegno animato” dell’Istituto D’Arte di Urbino (la “Scuola del Libro”) e l’Accademia di Belle Arti, sempre a Urbino. Dal 1994 lavora come illustratrice di libri per ragazzi per le maggiori case editrici italiane ed estere.

Buona visita!

2008-06-22T12:26:00.002+02:00

Roma è...anche questo

Oggi puntatona spassosissima e trashissima. Eddai passatemela, co 'sto caldo megli farsi due risate. Premessa: come i precedenti video della rubirca trash, i contenuti sono quantomeno scurrili ed i dialoghi infarciti di bestemmie. Chi si sentisse offeso, eviti di aprirli.
Chi invece vuole prendersi meno sul serio oggi, non si faccia scappare questa parodia talmente trash da rasentare lo splatter di Titanic, ossia Puttanic. Dico solo che vi darà il benvenuto un Poker de cazzi per andare in Sarfregna...

Buona visione e

buon divertimento!

2008-06-21T14:56:00.002+02:00

Reflection saturday

Un sabato torrido. Incursione del blogger "e io sono chiuso dentro casa a studirae per ultimare 'sta carriera universitaria". Incursione del resto del mondo "perché te ne lamenti? Abbiamo passato tutti giornate massacranti, chi per un motivo chi per un altro".

Un sabato torrido. Tra libri e domande, tra tempi stretti e pochi aiuti. Richiesti e ricevuti. Un incontro di striscio con un film, visto quest'inverno, che mi fa riflettere sul senso. C'è sempre un senso su cui riflettere. Ad esempio into the wild, ad esempio l'abbandono in risposta all'abbandono. Mirabile sintesi di cosa voglia dire "io esisto". Ad esempio into the wild per dire 'fanculo, io me ne vado, lascio stare tutto e mi vado a cercare". Perché tutto è apparecchiato, ma molti piatti sono vuoti.

Un sabato torrido, dove i commenti si accavallano alle opinioni e queste alle decisioni. Ad esempio in politica, dove si mortifica il Paese e non gli si rende giustizia. Dove la prima donna, è in barba alle convenzioni, il premier stesso. Dove i militari civili, s'alternano ai magistrati antipatici, ai buchi comunali che impediranno lo sviluppo ma consentiranno la sicurezza, alla maggioranza degli italiani.

Lasciare tutto e tutti se necessario. Io l'ho imparato proprio quando meno ne avevo bisogno (cioé, sempre?). Ma l'arte s'impara e si mette da parte. Automaticamente. E da sollievo pensare che a tutto c'è una soluzione.

Buon sabato

con Eddie Vedder - Society

2008-06-20T10:29:00.003+02:00

àrté. Damien Hirst

Classe 1965, è artista inglese capofila dei cosiddetti YBAs (Young British Artists). È universalmente noto e domina la scena dell'arte britannica dagli anni '90 del secolo scorso: la morte è il tema centrale delle sue opere ed è noto soprattutto per la sua serie dedicata alla storia naturale in cui i corpi di animali come squali o tigri ma anche pecore e mucche, sono imbalsamate nella formaldeide. Manifesto della sua poetica è The Physical Impossibility Of Death In the Mind Of Someone Living (ovvero, L'impossibilità fisica della morte nella mente di un vivo), uno squalo tigre. L'opera, venduta nel 2004, ha reso Hirst l'artista vivente più caro dopo Jasper Johns.
Intimamente legato non solo all'informale ma anche all'action painting e alla pop-art, è noto anche per le sue tecniche definite spin painting, realizzate dipingendo su una superficie circolare in rotazione come un vinile sul giradischi, e spot paintings, che consiste in righe di cerchi colorati spesso imitate dalla grafica pubblicitaria degli ultimi anni. Negli anni Novanta è stata l’idea dirompente che ha lanciato Hirst e trascinato il fenomeno della Young British art. Anche oggi l’artista torna sui suoi temi prediletti: vita e morte, scienza e religione, creando dipinti, sculture e installazioni dove la provocazione diventa raffinata cultura del presente. E poi presenta un’opera senza paragoni: un cranio di platino tempestato di 8.601 diamanti per un totale di 1.106 carati, con una pietra al centro che da sola tocca 50 carati. Una scultura da capogiro.

Hirst è forse il punto di svolta (o di non ritorno?) dell’arte moderna: sfuggente, inconsistente, imbarazzante, di cattivo gusto, commerciale, ma innegabilmente di impatto.
Dopo aver annichilito i critici ed estasiato i fans con mostre in puro hirst-style ed aver scandalizzato un folto gruppo di ben pensanti con la sua statua “The virgin mother“, beffandosi, con la sua fake-art, di chi lo accusa di essere niente meno che un vuoto provocatore, un perfetto mercenario al servizio del proprio portafoglio.
La nuova religione è la farmacopea, è l’addiction ai farmaci. La nuova ostia tramite cui ritornare in mistica unione coi nostri corpi e col nostro sangue è una pastiglia di anticoagulante, il vino della celebrazione uno sciroppo per la tosse. Ad ogni apostolo puo’ essere associato un farmaco, la santa trinità viene ridotta ad una mera composizione di diverse percentuali spirituali, la salvezza passa attraverso i dosaggi di sostanze chimiche e non piu’ attraverso una ricerca mistica o la preghiera comunemente intesa. A tal scopo Hirst ha realizzato anche un altare (rigorosamente in copie a numero limitato e contenente tutte le opere esposte: se la religione puzza ormai di stantio, pecunia non olet) i cui strumenti di culto sono un cranio, un crocifisso contenente, come reliquie, pasticche colorate ed un cuore trafitto da aghi e lamette che rappresenta la scienza. Concetto semplice, ma efficace, ripreso nella crocefissione costituita da pannelli in cui al posto del sacro cuore o delle stimmate sono inserite fotografie di interventi chirurgici. L’umano, depauperato di una fede che offra concreta salvezza, si rifugia nelle formule chimiche, si ripiega sul corpo e la sua matematica apparentemente esatta pensando di poterne controllare le equazioni di funzionamento calibrando i milligrammi di sostanze da assumere, senza che cio’ lo privi della morte, del dolore, dell’agonia, e trasformandosi in un macchinario organico pienamente consapevole della propria marcescenza da ritardare, senza altra prospettiva se non quella di allontanare da sè quel famoso calice del Getsemani, il momento in cui questo equilibristico modo di vivere si frantumerà contro un feretro e le mosche carnarie.
Hirst va persino oltre e sovrapponendo episodi neotestamentari all’attualità realizza addirittura la sua Ultima Cena in cui i dodici apostoli sono, tra gli altri, alcuni degli stati firmatari del trattato di non proliferazione nucleare, che ovviamente la contabilità dei loro armamentari rende ridicola carta straccia, e non esita ad attribuire agli U.S.A. il ruolo di Giuda Iscariota.

Buona visione!

2008-06-19T09:56:00.002+02:00

sexy tuesday

Ok, io adoro questa nuova versione di Rtv su Italia uno. Non potevo non farci un post (e infatti eccolo.). Penso che Luca Tommassini, storico ballerino delle più grandi (da Madonna a Kylie Minogue) e coreografo, s'è dato a regia e direzione artistica. E direi che c'è riuscito dando un tocco kitsch, lounge e a tratti trash per una trasmissione che di fatto si basa sul vouyerismo. E quindi, perché non abbinare a tutto questo, ai video di gente che si sfracella e di altra che compie imprese impossibili, una cosiddetta "figa da sturbo". E perché soprattutto non esagerarla con paillette e brillanti e trucco da capogiro?

Lui l'ha fatto, abbinando gli stacchetti a musiche fuori misura (una su tutte, la sublime colonna sonora di In the mood for love) e presentazioni ai limiti del ridicolo. Riesce perfino a far risultare meno torinese il suo torinese...

Sexy, sì, tutto questo è sexy.

Buona visione!

2008-06-17T14:56:00.004+02:00

lo stato dell'arte. Quadriennale d'arte di Roma

Fino al 14 Settembre, presso il Palazzo delle Esposizioni, si svolge la 15ª edizione, con cento artisti per capire dove va l'arte contemporanea italiana Con un omaggio a Luciano Fabro. E' il principale appuntamento istituzionale dedicato all'arte contemporanea italiana che torna nella sua sede storica, Palazzo delle Esposizioni, di cui è l'unica mostra in programma per tutta l'estate 2008. Le Quadriennali documentano periodicamente le tendenze più significative dell'arte attuale "made in Italy". In questo senso, sono dei sismografi che registrano le oscillazioni del nostro fare artistico, aiutano a capire quello che di più significativo accade nel panorama delle arti visive e a intuirne le possibili evoluzioni future. Ogni edizione si caratterizza per una specifica connotazione. Il taglio critico della 15ª Quadriennale è stato affidato a una Commissione di cinque curatori e storici dell'arte: Chiara Bertola, Lorenzo Canova, Bruno Corà, Daniela Lancioni, Claudio Spadoni. La loro scelta è stata quella di focalizzare lo sguardo sugli anni Novanta/Duemila e di dedicare una particolare attenzione agli artisti giovani e mid-career che hanno iniziato ad affermarsi in questo periodo. E' una Quadriennale, quindi, particolarmente incentrata sull'arte emergente, che propone un panorama delle esperienze e delle ricerche artistiche tra le più rappresentative degli ultimi vent'anni. Dalla mostra appare come anche in Italia l'arte contemporanea sia quanto mai diversificata per modalità espressive. E' molto difficile individuare tra gli artisti delle linee di appartenenza. E' un'arte nella quale preminente è la personalità del singolo autore, la sua qualità di vedere, capire, interpretare. Un centinaio gli artisti invitati, alcuni già con una proiezione internazionale. Partecipano tutti con un'opera recente, in molti casi realizzata per l'occasione o in situ. Per i visitatori si apre una stimolante esplorazione della creatività contemporanea, che spazia dai generi tradizionali - come disegno, pittura, scultura - alla fotografia e alle videoproiezioni, fino a installazioni e ambienti che coinvolgono il pubblico. L'allestimento ha dovuto tener conto della necessità di offrire una presentazione equilibrata di opere molto diverse tra loro e, in molti casi, di grande dimensione. Le opere in mostra si differenziano non solo per le tecniche di realizzazione, ma anche e soprattutto per i diversi campi di indagine che riflettono. Alcune rimandano all'attualità e propongono spunti di riflessione sul nostro momento storico. Molte hanno, invece, una dimensione più privata e si interrogano su temi quali l'identità, la memoria, le relazioni interpersonali. Non pochi interventi si soffermano sulle interazioni del singolo con lo spazio esterno, dalla grande città ad ambienti chiusi più intimi, con una particolare attenzione al loro impatto sui nostri comportamenti. Ci sono, poi, lavori che rivelano un interesse per i meccanismi comunicativi, per lo studio del linguaggio e della parola scritta, per i modelli conoscitivi delle scienze. Altri si concentrano sulla genesi stessa dell'opera d'arte, sull'atto creativo. Non mancano interventi che esaltano il potere evocativo della figurazione. Anche gli sguardi sono diversi: ora ironici e sorprendenti, ora critici e provocatori, ora silenziosi e distanti. La 15ª Quadriennale riserva, inoltre, un omaggio a Luciano Fabro (Torino, 20 novembre 1936 - Milano, 22 giugno 2007), a un anno esatto dalla scomparsa. Maestro innovatore della scultura italiana, Fabro si afferma a partire dagli anni Sessanta, è tra i protagonisti del gruppo dell'Arte Povera, partecipa alla fondazione della Casa degli Artisti di Milano, insegna all'Accademia di Brera. Gli sono state dedicate, anche di recente, grandi monografiche promosse dai più importanti spazi espositivi in Italia e all'estero. Numerose, le sue partecipazioni a Documenta, alla Biennale di Venezia, alla Biennale di San Paolo e alla stessa Quadriennale di Roma (1973, 1986, 2005). L'omaggio a Fabro all'interno della mostra intende sottolineare come il suo linguaggio continui a essere di straordinaria attualità e costituisca un imprescindibile riferimento per molti artisti contemporanei.

Buona visita!

2008-06-16T10:12:00.007+02:00

Un giorno è successo questo. Da non crederci.

Gli uomini smisero di credere in sè stessi. Cioé, volevano a tutti i costi perseguire obiettivi personali, calpestare dove possibile il calpestabile. Ma poi, un rantolo e un infimo senso di colpa si insinuavano nelle loro coscienze. Anche in quelle meno probabili, sì, parlo anche di quegli uomini apparentemente vicini a cani sguinzagliati. Uomini di potere, quello vero, non quello della competenza o del merito. Parlo del potere che decide sopra le teste degli altri, che non voleva il bene comune, che sfiancava e dove possibile, uccideva pur di non ambire.

E a lungo andare, questi uomini cominciarno a disorientarsi. Ricordi nel passato quante altre volte successe? Una miriade. Direi tutte le volte che dinanzi allo smarrimento si elesse un Re. Il Re, d'altro canto, può sì essere un Re, ma anche un Papa, un dittatore, un'ideologia, un motto, un credo. Il Re è quel che serviva in quel momento, serviva ritrovare coesione sotto un vessillo comune, perché da soli non ce la si faceva più. Quella volta lì, la fece da padrone la sicurezza. La sicurezza, se ci pensi bene, è uno dei bisogni fondamentali dell'uomo, un'emozione e un dispositivo politico delicato e seduttivo.

E ci riuscirono: la sicurezza divenne man mano un problema vero, anche se fino a quel momento c'erano tante altre priorità. L'egemone orientamento alla sicurezza, mai concettualizzata precisamente ma operazionalizzata visibilmente con forze dell'ordine, esercito, xenofobia, caccia alle strghe e quant'altro, li rese tutti nemici, o potenziali tali. Il fatto che non si sapesse bene cosa fosse questa sicurezza, che i suoi controni fossero sfocati se non inesistenti, al principio ebbe un ritorno favorevole per i governanti che potevano così specularcicome meglio potevano. Avevano gli uomini in pugno e qualsiasi mossa poteva ora trovare riparo tra le motivazioni alla sicurezza.

Ma costoro, a lungo andare non si resero conto del grave danno inferto ai propri fratelli. Quel rimorso di cui sopra, pare non fosse mai morto. E pare che anche in quella fase storica, gli uomini sentissero che qualcosa non andava, che quell'odio s'era generato dal nulla e che non era così che doveva andare. Che la storia andava in un'altra direzione e che l'economia ne stava risentendo. Che si stava rinnegando quanto fatto nel passato recente, solidarietà, globalizzazione e turismo. Come il risveglio da un lungo torpore, gli uomini cominciarono a riprendere coscienza.

Ma ne era passato di tempo, erano passati anni. Sulle loro teste s'erano alternate democrazie assolutiste. Erano stati cacciati e uccisi tanti di quei fratelli...e anche la Chiesa s'era sporcata di sangue, una volta ancora. Sulle strade c'erano più sagome disegnate col gesso che strisce pedonali, sulle vetrine non più i manichini, ma i cadaveri degli ultimi arrivati. I bambini s'erano abituati a non giocare e le maestre riabituate a picchiare. I padri di famiglia e i loro figli perbene, impossibilitati a scoparsi la puttana notturna, s'erano dati da fare con le donne altrui. E se all'inizio fu una pratica pagata con la vita, nel tempo tutti in breve convennero sulla sua efficacia: tutti d'altronde, uomini e donne, avevano voglia di scopare. Paradossalmente, dove vigeva l'odio si nascondeva l'amore.

E in quel risveglio si respirò aria di rinnovamento: le persone avevano voglia di provare i contrari. Quel sesso libero andava praticato sotto la luce del sole e bisognava che partecipassero anche altre razze. Fosse mai che scopassero meglio. Quelle democrazie assolutiste andavano tolte e bisognava che il Governo fosse democratico per davvero. Si resero conto che le libertà andavano conosciute, sperimentate e non proclamate dai Partiti, che finiva per legittimarli a fare di tutto e di più. E gli ultimi governi, se n'erano prese tante, troppe di libertà per difenderli dall'insicurezza.

Ora ci credi? E' successo proprio questo, com'è successo altre mille volte. A proposito, parliamo più piano che ci stanno cercando...il mio visto è scaduto e tu sei frocio: come minimo ci spennano.

2008-06-15T10:43:00.002+02:00

e mi ricordo ancora. La canzone

Oggi puntatona di ricordi targati anni '90. Parliamo di Hit che ci hanno riempito le giornate e che in qualche modo ci sono appartenute. Melodie zeppe di ricordi, brani perlopiù storpiati da un conoscenza dell'inglese pari a "auariu? fain tencs"...Ma quanto ci piaceva così. Ho fatto un piccola selezione di brani del passato che m'hanno letterlamente rapito. E che non smetto ogni tanto d'ascoltare. Così, senza nessuna pretesa, anche perché quando una canzone "funziona", funziona sempre!

Midge Ure - Breathe

Lighthouse Family - High

Des'ree - Life

Jarabe de Palo - La flaca

The Cardigans - Erase and Rewind

Buon ricordo!

2008-06-14T12:21:00.003+02:00

el peliculon. I colori dell'anima Modigliani

La Grande Guerra si è conclusa e la vita notturna di Parigi è piena di passioni oscure ed ossessioni incontrollabili. Al Café Rotonde, rifugio di una cerchia di artisti, c'è un tavolo come non si è mai visto nella storia: Picasso, Rivera, Stein, Cocteau, Soutine, Utrillo e Modigliani. Si racconta per la prima volta l'aspra rivalità tra Picasso e Modì (il soprannome di Modigliani, ancora oggi sinonimo di ‘maledetto’): due uomini invidiosi l'uno dell'altro e del loro talento, la loro arroganza e le loro passioni. Ma è anche il racconto della più grande tragedia amorosa della storia dell'arte. Jeanne Hebuterne era una bellissima ragazza cattolica che aveva una sola colpa: suo padre non l'aveva perdonata di essersi innamorata di un ebreo, Modigliani. Tanto smodata e fracassona fu la vita di Modigliani, così eccessivo e sopra le righe forse fu il comportamento dei personaggi e i passaggi chiave. Tanto che ci si ritrova ad essere basiti davanti ad alcuni comportamenti messi in mano a figure storiche realmente esistite (fa impressione vedere Picasso estrarre una spada ed esclamare "Quando un samurai estrae la sua sciabola deve essere versato del sangue!"). Il climax narrativo non viene mai sciolto veramente, forse perché non viene mai compiutamente introdotto, e un brivido lungo la schiena corre nella seconda parte del film, in quelle scene sulla presentazione del quadro "Jeanne". L’aspetto artistico, la pittura di Modigliani, è in secondo piano; è un elemento al servizio della trama principale. Il personaggio di Modigliani è costruito secondo la leggenda che lo vuole segnato da povertà, alcolismo, malattia, consumo di droghe e turbolente relazioni sentimentali. In questo senso, Andy Garcia è perfetto nel ruolo del seduttore ‘bello e dannato’, audace e tenero insieme. Gli episodi della vita di Modigliani, la permanenza a Parigi, il viaggio in Costa Azzurra, la visita a Renoir, vengono riletti e inseriti, con i necessari adattamenti, nella vicenda principale, la storia d’amore tra il pittore e Jeanne. “La cosa più importante”, sostiene il regista e sceneggiatore Mick Davis, “era evitare la noiosa rappresentazione dell’arte e di artisti disgraziati e scapestrati in un film in cui il pubblico non si riconosce”. Ecco dunque che Modigliani diventa un dandy dallo sguardo trasognato e dalle movenze eleganti, amante della bella vita e della bottiglia; un dandy ad uso e consumo del pubblico e, in fondo, innocuo.

questa lo stupendo incipit al film

e questa la parte forse più suggestiva di tutto il film

buona visione!